$$$

 EDOUARD MANET

Edouard Manet(1832-1883) a fost un pictor francez modern, renumit pentru realismul franc al operelor sale. O lucrare ca Olympia , un nud complet modern, a rupt convențiile artistice ale vremii, potrivit cărora viața contemporană nu putea fi reprezentată într-o mare operă de artă. Redând atât de bine lumea cafenelelor pariziene, Manet a inspirat artiștii după el, invitându-i să se elibereze de toate convențiile artistice.

Tinerețea artistului

Născut la Paris la 23 ianuarie 1832, Manet provenea dintr-o familie bogată de avocați, funcționari publici și proprietari de pământ. Auguste , tatăl lui Manet, a fost judecător la Înalta Curte Imperială. Mama lui, Eugénie Désirée Fournier, avea și ea legături de rang înalt. Ambii părinți primiseră o moștenire frumoasă de la proprii părinți și, prin urmare, aveau resursele necesare pentru a-și asigura independența financiară. Unchiul lui Manet, Edmond Fournier, a încurajat interesul copilului pentru artă desenându-i schițe și ducându-l la muzeele pariziene. Manet a trecut prin școală fără să se distingă în mod deosebit, deși a fost înscris la prestigiosul Colegiul Rollin din Paris. Acolo l-a cunoscut pe viitorul jurnalist Antonin Proust (1832-1905) cu care a rămas prieten de-a lungul vieții.

A vrut să intre în Marina Franceză, dar acest lucru nu a fost fără probleme: a încercat examenele de admitere în 1848 și a picat. Departe de a fi descurajat, s-a înrolat ca cadet și s-a trezit la Rio de Janeiro în vremea celebrului Carnaval. În timpul acestei lungi traversări, a realizat numeroase schițe reprezentând marea și colegii săi marinari.

Influențe artistice

Întors în Franța, Manet și-a convins tatăl să-l lase să-și continue cariera de artist și s-a înscris la școala lui Thomas Couture (1815-1879) în 1850. Tatăl său a fost reticent, deoarece și-ar fi dorit ca fiul său să studieze dreptul, dar și-a susținut cariera, ceea ce nu l-a obligat pe Manet să trăiască din arta sa. Manet a admirat pictori din trecut precum Diego Velázquez (1599-1660) și a apreciat utilizarea fundalurilor întunecate, a nuanțelor plate și a contrastelor vii de lumină și umbră. În 1853, Manet a călătorit în Italia , Germania, Țările de Jos și Belgia pentru a vedea opere de artă majore. Libertatea cu care artiștii olandezi și italieni contemporani au pictat scene din viața de zi cu zi l-a impresionat foarte mult. În anii 1850 în Europa , imprimeurile japoneze au devenit foarte populare. Modul în care aceste lucrări descriu modele plate și scene înrămate în moduri neobișnuite l-ar inspira pe el și pe alți artiști.

Eugène Delacroix (1798-1863), pictorul romantic, a fost o altă influență. Efectele pe care acest artist le-a obținut cu pensulele contrastau cu modul în care fuseseră făcute anterior să dispară. L-a influențat foarte mult și opera chinuită a pictorului realist Gustave Courbet (1818-1877), cu scenele sale de viață țărănească și felul său îndrăzneț de a aplica vopseaua cu cuțitul. Metodele tradiționale predate tinerilor artiști, încurajându-i să refacă și să refacă modele de gips din părți ale corpului sau statui vechi pentru a progresa în arta lor, l-au obosit pe Manet, în timp ce artiști precum Delacroix și Courbet, care dovediseră că se poate reuși în afara influenței Saloanelor (deși Delacroix însuși a devenit judecător pentru un Salon), l-au inspirat. Manet a vrut să picteze viața așa cum era în afara studioului. Și-a deschis propriul atelier în 1856, pornind încet, copiand picturi pentru a-și găsi drumul prin experimentare. Prima sa lucrare finalizată și cu adevărat originală, în care putem detecta căutarea lui pentru obișnuit, a fost The Absinthe Drinker în 1859, o pânză imensă de 1,8 m înălțime. Odată cu această lucrare a apărut o nouă artă.

Portretul artistului și contextul familial

Manet era un bărbat frumos, cu barbă brună, dar și-a pierdut părul foarte devreme. Era opusul artistului boem, cu înclinația pentru hainele elegante, pălăria de cilindru și bastonul. A mers pe îndelete printre societatea cafenelelor pariziene. El era deci mai degrabă arhetipul „flaneurului”. Avea bune maniere, farmec, era optimist și își făcea prieteni ușor.

Manet o cunoscuse pe Suzanne Leenhoff în 1849, o tânără olandeză angajată de tatăl său să-l învețe la pian. Au fost îndrăgostiți mult timp înainte de a se căsători în 1863 și probabil au avut împreună un copil, Léon-Édouard, născut în ianuarie 1852. Având în vedere scandalul pe care ar fi fost pentru a face chestiunea publică, s-au comportat ca și cum Léon-Édouard ar fi fost fratele mai mic al Suzannei, iar Manet nu a recunoscut niciodată în mod oficial copilul (cu excepția indirectă în testamentul său). Suzanne și Léon-Édouard apar în multe picturi în care Manet a descris scene ale vieții domestice pașnice. Un alt cunoscut al lui a fost Berthe Morisot (1818-1877), pictorul impresionist care s-a căsătorit în cele din urmă cu fratele lui Manet. O altă femeie importantă din viața lui Manet, Eva Gonzalés (1849-1883), cea mai bună elevă a lui, a murit tânără, la vârsta de 33 de ani.

Provocări la convenții

Stilul lui Manet i-a șocat pe pictorii academicieni ai vremii, pentru că a lăsat pensulele clar vizibile și a evitat să aibă prea multă grijă la finisaje, opusul a ceea ce se aștepta de la marii artiști care trebuiau să aplice culorile treptat. De asemenea, Manet a fost șocant pentru că nu a pictat subiecte tradiționale precum scene istorice sau mitologice și peisaje pitorești. Manet a preferat viața de zi cu zi la Paris, lumea cafenelelor, portretele oamenilor obișnuiți sau naturile moarte imaginare. Era în total dezacord cu lumea artei ultra-conservatoare și cu Saloanele din Paris unde aceste lucrări au fost expuse și vândute.

Manet a continuat să provoace arătând exact cum vedea lumea. Așa că băutorul lui de absint era într-adevăr un om de pe stradă. Deloc surprinzător, lucrarea a fost respinsă la Salonul din 1859. Indignarea a fost atât de mare încât a revenit temporar la o abordare mai clasică a picturii. Portretul părinților săi Monsieur și Madame Manet , precum și Cântărețul spaniol , au fost două lucrări mult mai conservatoare care au fost acceptate la Salonul din 1861, acesta din urmă chiar primind laude. Între timp, La Pêche , care ne arată Suzanne și Manet, a fost expusă la Sankt Petersburg (dar nu a fost vândut).

Apoi, în 1863, Le Déjeuner sur l'herbe a dezvăluit puternica revenire a lui Manet la o abordare radicală. Într-adevăr, picnicurile erau o activitate inofensivă, dar le-a făcut o scenă șocantă prin plasarea a doi bărbați îmbrăcați în haine contemporane, o femeie pe jumătate îmbrăcată și o a doua femeie complet goală care se uită la privitor cu un aer total dezinhibat. Dacă această scenă ar fi fost pictată într-o manieră tradițională, ca o alegorie atemporală sau un subiect mitologic, ar fi fost acceptată atunci când a fost prezentată la Salon des Refusés. Așa cum a fost, realismul contemporan al lui Manet a făcut scena obscenă în ochii criticilor care erau, de asemenea, indignați de aparentele ei pensule și culorile stridente. Împăratul Napoleon al III-lea (1852-1870) nu a avut nicio îndoială cu privire la caracterul ireverențial al picturii, descriind-o fără îndoială drept o „ofensiune adusă modestiei” (Rodgers, 9). Aluzia foarte clară la diferite capodopere renascentiste nu a fost percepută în mijlocul protestelor.

Au urmat alte scandaluri. Pictura pe care a expus-o la Salon în 1865 a fost la fel de șocantă ca scena lui de picnic cu doi ani mai devreme. Este surprinzător că această Olympia a fost acceptată. Salonul avea să regrete curând. Figura centrală din tablou a fost Victorine Meurent, modelul său de multă vreme, prezentată întinsă goală pe patul ei, privind cu încredere la privitor. Încă o dată, nudul ei a fost șocant de modern și extrem de neconvențional. Un critic s-a înfuriat împotriva artistului, numindu-l „o brută care pictează femei cu pielea verde cu o perie de spălat vase”. » (Rodgers, 115). Criticii, obsedați de această curtezană goală și de privirea ei fermă, au trecut cu vederea celelalte inovații ale pictorului: culorile neobișnuite, modul în care cele două figuri înaintează spre privitor și tratamentul aplatizat al compoziției. Confruntat cu indignarea publicului, Salonul a agățat tabloul mai sus, sperând că va jigni mai puțin sensibilitățile burgheziei venite să se plimbe prin muzeu.

După moartea tatălui său, Manet a moștenit o sumă confortabilă de bani și și-a putut permite astfel să caute favoarea criticilor pentru propria satisfacție și ambiție personală. A căpătat curaj și din evaluarea judicioasă dată de artistul belgian Alfred Stevens (1823-1906): „Lucrările mediocre nu stârnesc asemenea strigăte. » (Rodgers, 29). Încurajat de colegii artiști și prieteni, precum poetul și criticul de artă Charles Baudelaire (1821-1867) și Émile Zola (1840-1902), Manet s-a concentrat apoi asupra vieții cotidiene și moderne din Paris și a pictat în stil propriu pe oamenii care frecventau cafenelele, braseriile și cafenelele-concerte. Cu toate acestea, la fel ca mulți dintre contemporanii săi, el a aspirat la recunoașterea oficială și astfel a continuat să expună în mod regulat la Salon. A fost refuzat constant, iar după ce două dintre picturile sale au fost returnate cu „R” roșu urât în 1876, Manet a decis să-și expună opera în propriul atelier. Când a avut loc Expoziția Universală la Paris în 1867, el și-a înființat propriul pavilion pe Place de l'Alma și a expus acolo 53 dintre lucrările sale. Cu această ocazie nu a vândut niciunul dintre tablourile sale, dar lipsa clienților i-a dat cel puțin timp să picteze o vedere memorabilă a expoziției din locația sa.

Stilul lui Manet

Odată cu călătoriile în Spania în 1865, a început să picteze anumite aspecte ale culturii spaniole, dar Parisul a rămas prima sa dragoste. Unul dintre cele mai bune exemple este La Musique aux Tuileries . Pictată în 1862, această pictură a fost adesea numită prima pictură modernă. Figuri reale în vogă la acea vreme, cum ar fi compozitorul Jacques Offenbach , sunt reprezentate într-o scenă plină de viață în aer liber care înfățișează viața contemporană într-un mod modern. Chiar dacă a existat din nou o referire la marii maeștri ai picturii în dimensiunile gigantice ale scenei, a fost cu siguranță artă modernă. Criticii au fost jigniți ca de obicei.

În scenele înfățișate de Manet, găsim adesea personaje solitare în timp ce se află în mijlocul mulțimii. Este cazul scenelor de pe terasa cafenelei, unde efectul se realizează fără a face niciodată întâlnirea privirilor personajelor. Privitorul se întreabă adesea care ar putea fi relațiile dintre aceste personaje aparent neînrudite. Femeile frumoase au fost, de asemenea, unul dintre subiectele preferate ale lui Manet. A pictat-o în special pe Victorine Meurent, dar și pe Berthe Morisot de unsprezece ori.

Îi plăceau și scenele intime în care a favorizat un prim-plan și o abordare mai mult teatrală decât realistă. Balconul din 1868-69 este un exemplu. Vedem trei personaje pe un balcon ale căror legături dintre ele nu le putem ghici. Stăpânirea culorii îi permite să creeze un contrast între întunericul fundalului, albul hainelor personajelor și turcoazul obloanelor și balustradei. Un alt exemplu care ilustrează talentele artistului în scene neobișnuite este Luncheon in the Studio , tot din 1868. Figura centrală, probabil Léon-Édouard, pare să ascundă în mod deliberat prânzul de pe masă în spatele lui. Încă o dată, nu știm care sunt relațiile dintre personajele din tablou. Așa cum se întâmplă adesea în opera sa, ei par să se îndrepte către privitor fără să se uite la ceva anume. Criticii au fost derutați de ambele tablouri. Cu toate acestea, au fost selectați pentru Salonul din 1869.

Manet a folosit uneori tehnica pastelului pentru picturile sale, în special pentru portretele intime. A lucrat din schițe și gravuri pentru a-și crea picturile în ulei pe pânză. Pentru pictura în ulei, Manet a folosit tehnica alla prima , cunoscută și sub denumirea de pictură „umedă”: picta direct pe pânza nepregătită, ceea ce îi permitea să ștergă munca zilei, dacă nu i se potrivea, atâta timp cât vopseaua nu s-a uscat încă. A folosit foarte mult negrul, mai ales pentru îmbrăcăminte și pentru a sublinia contururile fețelor în portretele sale. Îi plăcea să scoată în evidență contrastele dintre culori.

Manet a fost unul dintre cei mai putin „impresionisti” dintre artistii moderni grupati adesea sub acest nume. El a aspirat să redea în pictură realismul vieții de zi cu zi și a fost mai puțin interesat de modulațiile luminii, care, în contrast, i-au caracterizat pe impresioniști. În felul său, a pictat nu doar viața la Paris, ci și naturi moarte, portrete, pisici (în special în litografie), curse de cai și peisaje marine (deseori la Boulogne, unde își petrecea regulat vacanțele).

Grupul BatignollesÎ

În anii 1860, Manet a devenit liderul artiștilor de avangardă din Paris. Era mai în vârstă și mai bogat decât majoritatea dintre ei. Au petrecut împreună în cafenele, precum Café Guerbois și altele, în cartierul Batignolles din Paris și au dezbătut cu pasiune despre noua direcție pe care ar trebui să o ia arta. În acest grup au fost oameni care mai târziu aveau să devină foarte celebri: Paul Cézanne (1839-1906), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), marele prieten al lui Manet și Claude Monet (1840-1926). Au fost numiți „grupul Batignolles”. Au fost și oameni de litere precum Émile Zola. Discuțiile ar putea fi aprinse. Într-o zi din 1870, Manet a avut o ceartă cu criticul Louis-Edmond Duranty care s-a încheiat cu un duel. Manet și-a accidentat adversarul, dar cei doi s-au împrietenit rapid din nou. Mai târziu în acel an, artiștii s-au separat în timpul asediului teribil al orașului Paris din timpul războiului dintre Franța și Prusia. Manet s-a alăturat Gărzii Naționale pentru a-și apăra orașul. A urmat un război civil, care a întrerupt cariera artistului, în ciuda diverselor schițe în care a arătat realitatea atroce a războiului.

Recunoaștere în creștere

Anii 1870 au fost, după necazurile războiului, un deceniu bun pentru pictor. Peste treizeci dintre lucrările sale au fost achiziționate de comerciantul francez de artă Paul Durand-Ruel (1831-1922) și au devenit extrem de valoroase pe măsură ce reputația artistului creștea. Durand-Ruel a organizat o expoziție la Londra, iar în 1872 Salonul a expus Bătălia de la Kearsarge și Alabama . Manet s-a apropiat de Monet și, deși nu era interesat de lumina în sine, a început să manifeste o influență impresionistă în opera sa, în special prin utilizarea culorilor mai deschise. Le Bon Bock , un portret vibrant, a fost acceptat la Salonul din 1873 și aclamat de critici. Datorită comisiei pentru tabloul Curse de cai în Bois de Boulogne , Manet a putut să-și finanțeze noul mare studio.

A fost influențat de impresioniști prin faptul că a adoptat ideea de a picta în aer liber, mai degrabă decât să schițeze o scenă și să o picteze în studio. A încercat această tehnică pe diferite peisaje marine realizate la Boulogne în 1873 și cu Monet în Argenteuil-sur-Seine în 1874. Această tehnică, care implică atingeri ușoare, rapide, se găsește în pictura Pe plajă . Manet folosește o paletă de culori mai deschisă, dar tot lasă loc culorii lui preferate, negrul, în hainele bărbatului. Una dintre primele sale picturi impresioniste, Argenteuil, a fost expusă la Salonul din 1874. Apoi s-a încercat să picteze în aer liber în timpul șederii sale la Veneția în 1875.

Munca lui, însă, uneori i-a lăsat pe oameni perplexi. La Gare Saint Lazare , acceptată la Salonul din 1874, ne arată două personaje care nu interacționează, fetița chiar întorcând spatele privitorului. Titlul picturii era nepotrivit deoarece nu era reprezentată nicio gară, în afară de aburii trenurilor. Lucrarea este poate simptomatică a schimbării stilului lui Manet către ceea ce mai târziu s-ar numi simbolism, adică o respingere a realismului în favoarea unor subiecte mai modeste care stârnesc imaginația și emoția privitorului. După respingerea de la Salonul din 1875, Manet și-a organizat propria expoziție și a trimis invitații cu motto-ul său: Fă-l adevărat și lasă-l să fie spus . La atelierul lui au venit 4.000 de oameni, dar niciunul nu a cumpărat nimic. La Salonul din 1877, un alt portret care i-a șocat pe mulți, Nana , a fost respins. Afișat într-un magazin de negustor, a câștigat totuși notorietate.

Până acum, sănătatea lui Manet era în scădere din cauza sifilisului și a rămas adesea închis în garsoniera lui. S-a întors să picteze parizieni în orașul lor, la hipodrom și pe apă. En bateau (1874) și Au conservatoire (1878) au fost ambele acceptate la Salonul din 1879. În 1880, editorul Georges Charpentier a organizat o expoziție pentru el. Alte două tablouri au fost acceptate la Salon, inclusiv Chez le père Lathuille , probabil restaurantul său preferat. În timp ce era închis în casa lui, Manet a pictat din ce în ce mai multe naturi moarte, adesea din flori trimise zilnic de prietenii săi. În 1881 a primit în cele din urmă recunoașterea de la Salon cu premiul II pentru portretul său destul de convențional al politicianului Henri Rochefort. Acest premiu a însemnat că orice lucrări pe care ar fi dorit să le prezinte ulterior vor fi acceptate automat. Din păcate, era mult prea bolnav pentru a participa din nou. Cireașa de pe tort: prietenul său de o viață Antonin Proust a devenit ministru al Artelor Plastice și i-a acordat Legiunea de Onoare.

În jurul anului 1881, cu A Bar at the Folies Bergère , Manet a atins ceea ce mulți consideră apogeul artei sale. Vedem o chelneriță stând la barul ei cu în spatele ei, într-o oglindă, cabaretul care a făcut celebră această mare cafenea. Vedem în această lucrare cum Manet se îndepărtează de realism. Reflecția chelneriței pare imposibilă, dar ne provoacă o emoție. Ne arată o femeie nefericită la serviciu și, în oglinda din spatele ei, spectacolul vesel al clienților. Găsim chiar și una dintre tușele caracteristice ale lui Manet în picioarele comice ale acrobatului din colțul din stânga sus al tabloului. Această capodopera este ultimul rămas bun al pictorului de la viața de cafenea pariziană pe care a iubit-o atât de mult.

Moștenirea pictorului

Din cauza bolii sale, piciorul său stâng a dezvoltat în cele din urmă cangrenă și a trebuit să fie amputat. A murit în urma operației la 30 aprilie 1883, la vârsta de 51 de ani. A fost înmormântat în cimitirul Passy din Paris. Opera sa a obținut recunoaștere oficială, în special prin primirea Olympiei la Muzeul Luvru și expoziții din Statele Unite și din alte părți. Opera sa, în special predilecția pentru viața de zi cu zi modestă și alegerea sa deliberată de a aplatiza scenele pe care le-a pictat, i-au influențat pe contemporanii săi și o generație de artiști mai tineri, printre care Paul Gauguin (1848–1903), Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901) și Henri Matisse (1869–1954). La înmormântarea sa, vechiul său prieten Degas a spus cu regret: „Era mai mare decât credeam”. » (Thomson, 209).

Întrebări și răspunsuri

Pentru ce este cel mai cunoscut Edouard Manet?

Se știe că Edouard Manet a fost un pictor modernist francez influent. Picturile sale au fost controversate pentru că înfățișează nuditatea într-un context modern și pentru scenele lor obișnuite din viața de zi cu zi din Paris.

Ce două tablouri l-au făcut celebru pe Edouard Manet?

Edouard Manet este cunoscut pentru două tablouri în special: „Olympia” și „Prânzul pe iarbă”. Ambele arată o femeie goală, ceea ce era șocant la acea vreme pentru că până atunci convenția era că nuditatea se arăta doar în scene istorice și mitologice, nu în viața modernă.

Edouard Manet a fost un pictor impresionist?

Deși unele dintre picturile sale au fost influențate de ideile impresionismului, Édouard Manet nu a fost un pictor impresionist. Manet era mai preocupat de realism și apoi de simbolism în opera sa, mai degrabă decât de a se concentra asupra efectelor temporare ale luminii care i-au preo