$$$

 BOB DYLAN, „OMUL RENAȘTERII” SECOLULUI XXI

Bob Dylan este cunoscut și apreciat în primul rând pentru muzica sa, dar încă din copilărie a experimentat diverse medii creative, inclusiv pictura, sculptura, cinematografia și scrisul. Cuvântul „a experimentat” s-ar putea să nu fie terminologia corectă pentru a descrie portofoliul său artistic, deoarece a fost apreciat pentru munca sa în fiecare dintre aceste domenii, în mod independent.

Spre deosebire de muzica sa, arta lui Dylan a fost apreciată public abia recent, în ciuda faptului că acesta lucra la ea încă din anii 1960. Deși arta sa este în atenția publicului încă din 2007, adevăratul punct de cotitură a venit în 2019, când a realizat prima sa expoziție personală la Muzeul de Artă Modernă din Shanghai, intitulată Retrospectrum. Această expoziție a cunoscut un succes răsunător, cu 100.000 de vizitatori în doar trei luni, demonstrând cum oamenii văd geniul lui Dylan dincolo de muzica sa.

Dar laudele sale artistice nu s-au oprit aici. De-a lungul carierei sale, a câștigat un Premiu Pulitzer și un Premiu Nobel pentru poezia și versurile sale inovatoare. De asemenea, a câștigat Medalia Prezidențială pentru Libertate a Americii, Medalia Națională a Artelor, un premiu Oscar și peste zece premii Grammy.

Aceste recunoașteri publice sunt toate rezultatul talentului și eforturilor lui Dylan; nu s-a născut cu o lingură de argint. A crescut în Duluth, Minnesota, un oraș industrial din Midwest, cunoscut pentru transportul maritim de marfă. Acesta a fost poreclit „Iron Range” (Zona Fierului) datorită producției de fier care avea loc acolo pentru industria navală. Astfel, Dylan a descris că a fost înconjurat de fier toată viața. Cu toate acestea, abia la vârsta adultă a început să încalce valorile strict funcționale ale acestui material cu care crescuse, realizând că putea face ceva mai mult din el.

Cei apropiați au glumit adesea că, atunci când se trezea dimineața, nu își lua caietul și chitara și începea să scrie muzică; în schimb, începea să sudeze niște fier. Luând resturi metalice pe care le găsea, Dylan a început să realizeze obiecte sculpturale cu un anumit fler decorativ - de exemplu, o balustradă ornamentată pentru o scară sau o poartă pentru un țarc de cai - dăruindu-le oamenilor apropiați. În acest fel, el combina funcționalitatea fierului cu frumusețea maleabilității sale pentru a crea obiecte de zi cu zi noi, frumoase, dar utile.

„Circular Wall Hanging 8” din 2018 este una dintre lucrările preferate din metal de Bob Dylan. În ea, el a folosit diferite culori de metal pentru a crea o compoziție distractivă și jucăușă, care ne schimbă percepția asupra calităților materialelor pe care le asociem de obicei cu metalul. Cheia franceză, ca obiect, este îndoită în forme buclate, provocând însăși natura metalului ca material indestructibil. De asemenea, a adăugat potcoave, care sunt de obicei obiecte asociate cu utilizarea lor foarte utilitară în agricultură, și le-a reutilizat și redefinit, creând o compoziție frumoasă și complexă, care amintește și de rădăcinile sale din Midwest. Fiecare lucrare din metal este finalizată cu micul bivol de metal, semnătura sa de la Black Buffalo Iron Works, atelierul său de metal.

În lucrările metalice ale lui Dylan, acesta explorează transformarea de la funcțional la estetic. Părți unghiulare și ascuțite din fier forjat sunt asamblate pentru a crea compoziții plăcute din punct de vedere estetic. Operele sale au o calitate foarte duchampiană, deoarece, la fel ca Marcel Duchamp , își asumă proprietatea asupra obiectelor existente, dar le reutilizează.

Criticii au făcut comparații între colajele metalice din sculpturile lui Dylan și colajele de genuri muzicale din cântecele sale, de la folk american la elemente de literatură franceză. În ambele, amalgamarea lumilor este simultan recognoscibilă și se transformă în ceva nou și coerent. Dylan a făcut chiar o referire la acest lucru în piesa sa din 1974, „Never Say Goodbye”, cântând: „Visele mele sunt făcute din fier și oțel, cu un buchet mare de trandafiri atârnând din ceruri până la pământ”.

Asemenea lucrărilor sale în metal, picturile sale sunt, de asemenea, profund personale și legate de viața sa ca fiu al unor imigranți evrei din Midwest. „Calea bătătorită” - America lui Dylan explorează America pe care nu o vedem des, dar cu care este foarte familiarizat, printr-un ansamblu impresionist de picturi. În această colecție, Dylan a pictat locații trecute cu vederea din America, care formează fundalul vieții de zi cu zi pentru majoritatea cetățenilor săi, descriind acest lucru ca „modul în care o vezi în timp ce străbați țara și o vezi pentru ceea ce valorează”.

Pentru privitorul non-american, privirea acestor picturi pare o călătorie înapoi în timp, în ceea ce ar fi arătat „Vestul Sălbatic” pe platourile de filmare, dar, de fapt, aceasta este realitatea Americii de astăzi. Aceasta este America pe care nici măcar cei din marile metropole nu o văd, deoarece există în interiorul bulelor lor. Dylan își propune să portretizeze ceea ce nu este evident pentru turistul obișnuit, care optează pentru alte locuri mai cunoscute și ratează ceea ce este cu adevărat american. Moteluri abandonate în mijlocul deșertului sau autostrăzi pustii, care sunt apoi contrastate cu străzile aglomerate ale orașului, pline până la refuz de smog. Unele dintre aceste scene sunt adesea tulburătoare, neprezentând oameni, ci doar clădiri dărăpănate. Cu toate acestea, utilizarea de către Dylan a culorilor vibrante, cu tușe impresioniste, le umple de viață, creând o juxtapunere interesantă care amintește și de culorile dure, dar vibrante, ale deșertului american.

În zilele noastre, se pare că există o opoziție binară dură între oamenii care sunt deranjați de artiștii consacrați și cei în devenire care explorează sau chiar își perfecționează talentele în diferite medii și o altă școală de gândire care pune presiune pe artiști să îmbrace pălăria unei cariere cu mai multe cratime: „actor devenit filantrop, devenit regizor-scenarist”, de exemplu.

Nu este clar cum a apărut prima sau a doua variantă, dar, pe de o parte, ar putea avea legătură cu obsesia noastră din secolul XXI pentru branding și etichete, care îi face pe artiști să se simtă limitați la perfecționarea unui singur mediu. Mă gândesc la cum, în timpul pandemiei, atât de mulți tineri TikTokeri din Generația Z, precum surorile D'Amelio, au ajuns să fie cunoscuți drept „dansatoare TikTok” și și-au construit o identitate complet nouă în jurul acesteia, ceea ce a dus la locuirea în „case de conținut” din Los Angeles pentru a filma videoclipuri non-stop. Dar apoi, când au câștigat teren și au început să încheie contracte de brand și conexiuni cu alte forme artistice, oamenii le-au criticat pentru că nu au suficient talent pentru a face acest lucru. Charli D'Amelio este acum dansatoare pe Broadway, un rol care, pentru mulți, este mai reputat decât a fi TikToker. Dar de când a început să dedice mai mult timp acestei laturi a ființei sale, a pierdut atenția de pe platforma ei originală de socializare.

Pe de altă parte, există actori și cântăreți, precum Gwyneth Paltrow, Millie Bobby Brown și Selena Gomez, care au lansat branduri de frumusețe, wellness sau fitness, despre care susțin că sunt proiecte pasionale. Ștacheta succesului pentru aceste branduri este și mai mare pentru aceste persoane, creatorii de conținut testând și critică produsele lor online. Mulți îi acuză că își aruncă banii pe ceva ce nu funcționează, creat de anturajul de marketing din spatele acestor branduri, în comparație cu experții în îngrijirea pielii/frumusețe.

Acest mod de gândire este complet opusul discursurilor artistice din trecut, cum ar fi în perioada Renașterii, când a fost inventat termenul „om renascentist”. Acesta se referea la un individ care era un geniu creativ în mai multe feluri. Titlul a fost întruchipat în mod special de Leonardo da Vinci, deoarece nu a fost doar un pictor iscusit, ci și un matematician, botanist și nu numai.

Dar să revenim la Bob Dylan. Mulți oameni sunt șocați când află că Dylan a fost un artist dincolo de muzica sa, poate pentru că nu privesc dincolo de mediul său artistic principal și nu îl judecă la valoarea sa nominală. Dacă am lua o secundă să explorăm artiștii de astăzi și ne-am schimba mentalitatea, am putea observa că geniile creative, asemănătoare cu „omul Renașterii”, încă există și ar trebui aplaudate pentru talentele lor nelimitate; Bob Dylan fiind unul dintre ele.

$$$

 CLAUDE DEBUSSY

Achille-Claude Debussy a fost un compozitor francez. Împreună cu Maurice Ravel, a fost una dintre cele mai proeminente figuri asociate cu muzica impresionistă, deși lui însuși nu i-a plăcut termenul atunci când era aplicat compozițiilor sale. A fost numit Cavaler al Legiunii de Onoare în Franța sa natală în 1903. Debussy a fost printre cei mai influenți compozitori de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, iar utilizarea gamelor netradiționale și a cromatismului a influențat mulți compozitori care i-au urmat. Muzica lui Debussy este remarcată pentru conținutul său senzorial și utilizarea frecventă a atonalității. Stilul literar francez proeminent din perioada sa a fost cunoscut sub numele de simbolism, iar această mișcare l-a inspirat direct pe Debussy atât ca compozitor, cât și ca participant cultural activ.

Tinereţe

Claude Debussy a fost cel mai mare dintre cinci copii. Tatăl său, Manuel-Achille Debussy, deținea acolo un magazin de porțelanuri; mama sa, Victorine Manoury Debussy, era croitoreasă. Familia s-a mutat la Paris în 1867, dar în 1870 mama însărcinată a lui Debussy a fugit cu Claude la casa mătușii sale paterne din Cannes pentru a scăpa de războiul franco-prusac. Debussy a început lecțiile de pian acolo la vârsta de șapte ani cu un violonist italian de puțin peste 40 de ani pe nume Cerutti; mătușa sa îi plătea lecțiile. În 1871 a atras atenția lui Marie Mauté de Fleurville, care susținea că a fost elevă a lui Frédéric Chopin.

Debussy a crezut-o întotdeauna, deși nu există dovezi independente care să-i susțină afirmația. Talentele sale au devenit curând evidente, iar în 1872, la vârsta de zece ani, Debussy a intrat la Conservatorul din Paris, unde a petrecut următorii 11 ani. În timpul petrecut acolo, a studiat compoziția cu Ernest Guiraud, istoria/teoria muzicii cu Louis-Albert Bourgault-Ducoudray, armonia cu Émile Durand, pianul cu Antoine François Marmontel, orga cu César Franck și solfegiul cu Albert Lavignac, precum și alte figuri semnificative ale epocii. De asemenea, a devenit prieten pe viață cu colegul său de clasă și distinsul pianist Isidor Philipp. După moartea lui Debussy, mulți pianiști i-au cerut sfatul lui Philipp pentru a interpreta lucrările lui Debussy.

Dezvoltare muzicală

Debussy a fost încă de la început o persoană argumentativă și experimentală, deși evident talentată. El a contestat învățăturile rigide ale Academiei, favorizând în schimb disonanțele și intervalele care erau dezaprobate. La fel ca Georges Bizet, a fost un pianist strălucit și un cititor la prima vedere remarcabil, care ar fi putut avea o carieră profesională dacă și-ar fi dorit. Piesele pe care le-a interpretat în public în această perioadă au inclus mișcări de sonată de Beethoven, Schumann și Weber, precum și Balada nr. 2 de Chopin, o mișcare din Concertul pentru pian nr. 1, și Allegro de concert. În verile anilor 1880, 1881 și 1882, Debussy a însoțit-o pe Nadejda von Meck, bogata patronă a lui Piotr Ilici Ceaikovski, în călătoriile sale cu familia sa prin Europa.

Numeroasele activități muzicale ale tinerei compozitoare în timpul acestor vacanțe au inclus interpretarea unor piese la patru mâini cu von Meck la pian, acordarea de lecții de muzică copiilor ei și concerte private cu unii dintre prietenii ei muzicieni. În ciuda apropierii lui von Meck de Ceaikovski, maestrul rus pare să fi avut un efect minim asupra lui Debussy. În septembrie 1880, ea i-a trimis lui Ceaikovski Danse bohémienne de Debussy pentru a o examina. O lună mai târziu, Ceaikovski i-a scris: „Este o piesă foarte frumoasă, dar este mult prea scurtă. Nicio idee nu este exprimată pe deplin, forma este teribil de zbârcită și îi lipsește unitate.” Debussy nu a publicat piesa, iar manuscrisul a rămas în familia von Meck; în cele din urmă, a fost vândut editurilor muzicale Schott din Mainz și publicat de aceștia în 1932. 

O influență mai mare a fost prietenia strânsă a lui Debussy cu Marie-Blanche Vasnier, o cântăreață pe care a cunoscut-o când a început să lucreze ca acompaniator pentru a câștiga niște bani, având o relație de opt ani împreună. Ea și soțul ei, funcționarul public parizian Henri, i-au oferit lui Debussy sprijin emoțional și profesional. Henri Vasnier l-a introdus în scrierile unor scriitori francezi influenți ai vremii, ceea ce a dat naștere primelor sale cântece, adaptare a poemelor lui Paul Verlaine (ginerele fostei sale profesoare, doamna Mauté de Fleurville). 

Câștigător al Premiului de la Roma din 1884 cu compoziția sa L'enfant prodigue, Debussy a primit o bursă la Academia de Arte Frumoase, care a inclus o rezidență de patru ani la Villa Medici, Academia Franceză din Roma, pentru a-și continua studiile (1885–1887). Conform scrisorilor către Marie-Blanche Vasnier, probabil parțial menite să-i câștige simpatia, el a considerat atmosfera artistică sufocantă, compania grosolană, mâncarea proastă și locuințele monahale „abominabile”. Nici opera italiană nu i-a plăcut, deoarece operele lui Donizetti și Verdi nu i-au plăcut.

Debussy era adesea deprimat și incapabil să compună, dar a fost inspirat de Franz Liszt, a cărui stăpânire a claviaturii o considera admirabilă. În iunie 1885, Debussy a scris despre dorința sa de a-și urma propria cale, spunând: „Sunt sigur că Institutul nu ar aproba, căci, în mod firesc, consideră calea pe care o stabilește ca fiind singura corectă. Dar nu există nicio soluție! Sunt prea îndrăgostit de libertatea mea, prea atașat de propriile mele idei!”

În cele din urmă, Debussy a compus patru piese care au fost trimise Academiei: oda simfonică Zuleima (bazată pe un text de Heinrich Heine); piesa orchestrală Printemps; cantata La damoiselle élue (1887–1888) (care a fost criticată de Academie drept „bizară”, deși a fost prima piesă în care au început să iasă la iveală trăsăturile stilistice ale stilului ulterior al lui Debussy); și Fantezia pentru pian și orchestră, care se baza în mare măsură pe muzica lui César Franck și, prin urmare, a fost în cele din urmă retrasă de Debussy. Academia l-a mustrat pentru că „curta neobișnuitul” și spera la ceva mai bun din partea elevului talentat. Deși lucrările lui Debussy au arătat influența lui Jules Massenet, Massenet a concluzionat: „El este o enigmă”. 

În timpul vizitelor sale la Bayreuth în 1888–1889, Debussy a fost expus operei wagneriene, care avea să aibă un impact de durată asupra operei sale. Debussy, la fel ca mulți tineri muzicieni ai vremii, a reacționat pozitiv la senzualitatea, stăpânirea formei și armoniile izbitoare ale lui Richard Wagner. Emoționalismul extrovertit al lui Wagner nu avea să fie felul de a fi al lui Debussy, dar influența compozitorului german este evidentă în La damoiselle élue și în piesa din 1889 Cinq poèmes de Charles Baudelaire. Alte cântece ale perioadei, în special piesele lui Verlaine – Ariettes oubliées, Trois mélodies și Fêtes galantes – sunt toate într-un stil mai capricios.

Cam în această perioadă, Debussy l-a întâlnit pe Erik Satie, care s-a dovedit a fi un suflet înrudit prin abordarea sa experimentală a compoziției și a denumirii pieselor sale. Ambii muzicieni erau boemi în această perioadă, frecventând aceeași societate de cafenele și luptându-se să se descurce financiar. În 1889, la Expoziția Universală din Paris, Debussy a auzit pentru prima dată muzică gamelan javaneză. A încorporat game, melodii, ritmuri și texturi de ansamblu gamelan în unele dintre compozițiile sale, în special Pagode din colecția sa pentru pian Estampes.

Viața personală

Viața privată a lui Debussy a fost adesea turbulentă. La vârsta de 18 ani a început o aventură de opt ani cu Marie-Blanche Vasnier, soția funcționarului public parizian Henri. Relația s-a destrămat în cele din urmă după câștigarea Premiului de la Roma în 1884 și stabilirea obligatorie a reședinței la Roma.

La întoarcerea sa definitivă la Paris, în casa părinților săi de pe avenue de Berlin (acum rue de Liège), a început o relație turbulentă cu Gabrielle („Gaby”) Dupont, fiica unui croitor din Lisieux, cu care a conviețuit curând pe rue de Londres, iar mai târziu pe rue Gustave Doré. În această perioadă a avut și o aventură cu cântăreața Thérèse Roger, cu care a fost logodit pentru scurt timp. Un astfel de comportament neastâmpărat a fost condamnat pe scară largă și a precipitat sfârșitul lungii sale prietenii cu Ernest Chausson.

În cele din urmă, a părăsit-o pe Dupont pentru prietena ei, Rosalie („Lilly”) Texier, un model cu care s-a căsătorit în 1899, după ce a amenințat-o că se va sinucide dacă îl refuză. Cu toate acestea, deși Texier era afectuoasă, practică, directă și apreciată de prietenii și asociații lui Debussy, acesta avea să devină din ce în ce mai iritat de limitările ei intelectuale și de lipsa de sensibilitate muzicală. Mai mult, aspectul ei îmbătrânise prematur și nu putea avea copii.

În 1904, Debussy i-a fost prezentat Emmei Bardac, soția bancherului parizian Sigismond Bardac, de către fiul acesteia, Raoul, care fusese unul dintre studenții săi. Spre deosebire de Texier, Bardac era o persoană sofisticată, un conversator strălucit și un cântăreț desăvârșit. După ce a trimis-o pe Lilly la casa tatălui ei, la Bichain, în Villeneuve-la-Guyard, pe 15 iulie 1904, Debussy a dus-o în secret pe Bardac în Jersey în vacanță. La întoarcerea lor în Franța, Debussy i-a scris lui Texier pe 11 august din Dieppe, informând-o că mariajul lor s-a încheiat, dar tot nu l-a menționat pe Bardac.

Debussy s-a mutat pentru scurt timp într-un apartament la numărul 10 de pe avenue Alphand. Pe 14 octombrie, cu cinci zile înainte de a cincea aniversare a nunții lor, Texier a încercat să se sinucidă, împușcându-se în piept cu un revolver în timp ce se afla în Place de la Concorde; a supraviețuit, deși glonțul i-a rămas înfipt în vertebre pentru tot restul vieții. Scandalul care a urmat l-a înstrăinat pe Debussy de mulți dintre prietenii săi, în timp ce Bardac a fost renegat de familia ei.

În primăvara anului 1905, considerând ostilitatea față de ei intolerabilă, Debussy și Bardac (acum însărcinată) au fugit în Anglia, prin Jersey. Divorțul lui Bardac a fost finalizat în mai. Cuplul s-a stabilit la Grand Hotel din Eastbourne între 24 iulie și 30 august 1905, unde Debussy urma să corecteze demonstrațiile pentru suitele sale simfonice La mer, sărbătorind divorțul său de Texier pe 2 august.

După o scurtă vizită la Londra, cuplul s-a întors la Paris în septembrie, cumpărând o casă într-o curte interioară de pe Avenue du Bois de Boulogne (acum Avenue Foch), unde Debussy avea să locuiască tot restul vieții sale. Fiica lor (singurul copil al compozitorului), Claude-Emma, s-a născut acolo pe 30 octombrie. Părinții ei s-au căsătorit în cele din urmă în 1908, uniunea lor tulbure durând până la moartea lui Debussy, în 1918. Claude-Emma, cunoscută mai afectuos sub numele de „Chouchou”, a fost o mare inspirație muzicală pentru Debussy (ei i-a fost dedicată suita Children's Corner); acesta a remarcat spre sfârșitul vieții sale, când era grav bolnav, că dacă nu ar fi fost ea, s-ar fi putut sinucide. Claude-Emma și-a supraviețuit tatălui cu abia un an, cedând epidemiei de difterie din 1919, după ce medicul ei i-a administrat tratamentul greșit.

Mary Garden, care a interpretat rolul Melisandei în producția originală a operei Pelléas et Mélisande din 1902, avea să scrie despre el: „Sincer, nu știu dacă Debussy a iubit vreodată pe cineva cu adevărat. Își iubea muzica – și poate chiar pe sine. Cred că era absorbit de geniul său... Era un om foarte, foarte ciudat.”

Moarte

Debussy a murit de cancer rectal la domiciliul său din Paris pe 25 martie 1918, la vârsta de 55 de ani. Fusese diagnosticat cu cancer în 1909, după ce a suferit o hemoragie, iar în decembrie 1915 a fost supus uneia dintre primele operații de colostomie efectuate vreodată. Operația i-a oferit doar o alinare temporară și i-a cauzat o frustrare considerabilă (avea să compare îmbrăcatul de dimineață cu „toate muncile lui Hercule la un loc”).

Moartea sa a avut loc în mijlocul bombardamentului aerian și de artilerie al Parisului în timpul ofensivei de primăvară germane din Primul Război Mondial. Procesiunea funerară și-a croit drum prin străzile pustii spre cimitirul Pere Lachaise, în timp ce tunurile germane bombardau orașul. Situația militară din Franța era critică și nu a permis onoarea unei înmormântări publice cu discursuri ceremonioase la mormânt. Trupul lui Debussy a fost reînmormântat în anul următor în micul cimitir Passy, sechestrat în spatele Trocadéro, îndeplinindu-i dorința de a se odihni „printre copaci și păsări”; soția și fiica sa sunt înmormântate alături de el.

$$$

 CAMILLE CLAUDEL, GENIUL DIN SPATELE LUI RODIN?

Când Hugues Fadin, primarul orașului Nogent-sur-Seine, a declarat la deschiderea unui nou muzeu în 2017: „Iubim arta , iubim sculptura, o iubim pe Camille Claudel”, el a făcut mai mult decât să taie o panglică ceremonială - el a contribuit la recuperarea unei moșteniri uitate.

În 2013, această mică municipalitate franceză a luat o decizie îndrăzneață: să își mute și să redenumească muzeul în onoarea lui Camille Claudel și să centreze noua instituție în jurul a 43 dintre lucrările sale. Muzeul găzduiește acum cea mai mare colecție publică de sculpturi ale lui Claudel, expusă alături de peste 150 de lucrări ale altor sculptori din secolul al XIX-lea. 

Prea mult timp, la fel ca majoritatea artistei, numele lui Claudel a rămas la marginile istoriei artei. Este cunoscută în principal pentru relația sa pasională cu Auguste Rodin, bărbatul adesea aclamat drept „cel mai mare sculptor de la Michelangelo încoace ”. Rodin a fost profesorul, mentorul și iubitul ei. Viețile și carierele lor au fost inseparabil împletite într-o relație de un deceniu, care a ars de fervoare artistică și chinuri personale.

Colaborarea lor nu a fost unilaterală. După toate relatările, Claudel a fost o artistă strălucită în sine. S-a alăturat studioului lui Rodin la mijlocul anilor 1880 ca asistentă, învățând să „modeleze doar după profiluri” și să se concentreze intens asupra formei umane în mișcare. A lucrat alături de alți sculptori talentați, precum Jules Desbois, și probabil a contribuit semnificativ la unele dintre capodoperele lui Rodin. Cercetătorii cred acum că faimoasele mâini și picioare exagerate din Burghezii din Calais au fost modelate chiar de Claudel, atingerea ei fiind evidentă în anatomia emoționantă. Unii susțin chiar că și capetele câtorva burghezi poartă amprenta sa stilistică.

O comparație a operei lor dezvăluie ceva mai grăitor. Luați Torsul unei femei ghemuite de Claudel și sculptura lui Rodin care are aceeași poză. Lucrarea lui Claudel este mai nuanțată emoțional, carnea mai suplă, iar utilizarea spațiului negativ mai integrată. Acolo unde Rodin poate părea performativ, Claudel este intim și natural.

Influența nu a fost doar unidirecțională. Criticul Mathias Morhardt, prieten al ambilor artiști, a remarcat odată că Rodin o consulta pe Claudel cu privire la fiecare decizie importantă. Nu ar fi continuat decât dacă ea era de acord. În acest context, acuzațiile conform cărora Rodin ar fi împrumutat sau chiar ar fi furat de la Claudel capătă o oarecare greutate.

Claudel, hotărâtă să-și croiască propriul drum, s-a îndepărtat în cele din urmă de orbita lui Rodin. La sfârșitul anilor 1890, a început să experimenteze cu grupări narative la scară mică, inspirate de scene din viața de zi cu zi: femei șoptind pe stradă, navetiști într-un vagon de tren. „Bârfele” este un exemplu excelent: un grup de femei ghemuite laolaltă, gesturile lor fiind pline de zvonuri și încântare.

„La Valse” -ul ei este adesea comparat cu „Sărutul” de Rodin . Ambele sculpturi par să iasă organic din bazele lor de marmură, figurile fiind împletite în pasiune. Artiștii recunosc materialitatea pietrei și subliniază tehnica lor extraordinară de a o aduce la viață cu atâta finețe. De asemenea, figurile masculine și feminine sunt în egală măsură angajate într-un moment de intimitate tandră, un echilibru al sexe care era rareori portretizat cu atâta nuanță și profunzime emoțională la acea vreme.

Și totuși, în ciuda imensului său talent, Claudel nu a avut niciodată un statut egal. A trăit într-o epocă în care geniul unei femei era adesea trecut cu vederea și, mai rău, pedepsit. Pe măsură ce recunoașterea publică a lui Rodin creștea vertiginos, reputația lui Claudel s-a estompat. Paranoia ei crescândă, poate alimentată de trădări reale, a dus la o prăbușire . În 1913, familia ei a internat-o într-un azil, unde avea să-și petreacă ultimii 30 de ani din viață.

Dar acum, în sfârșit, Camille Claudel iese din umbră. Sculpturile ei, odinioară ascunse în spatele faimei lui Rodin, sunt văzute în propriile lor condiții. Muzeul din Nogent-sur-Seine nu este doar un omagiu; este o corecție demult așteptată.

$$$

 COMPLOTUL PENTRU UCIDEREA LUI KARL MARX

În mijlocul vieții și carierei bogate a filosofului și teoreticianului economic german Karl Marx, incidentul său la un pas de complot pentru o crimă este adesea puțin cunoscut, chiar și de adepții fervenți ai comunismului .

Până la sfârșitul anilor 1840, Marx se plimba prin Europa cuprinsă de revoluții democratice și liberale, inflamată de sistemele monarhice învechite, încăpățânate și înrădăcinate la putere de secole. Câștigându-și existența modestă ca jurnalist și eseist, lucrările sale despre relațiile de clasă și emanciparea socialistă au declanșat furia cenzorilor de stat din țările în care s-a refugiat și s-a organizat, persecutat de autoritățile prusace ale națiunii sale natale și ridicând regulat bătăile de cap din Paris, Bruxelles și Köln pentru a evita problemele legale și chiar urmărirea penală.

La Londra și-a găsit un cămin pentru tot restul vieții. Mutându-se în capitala Regatului Unit în iunie 1849, Marx și colaboratorul și prietenul său apropiat, Friedrich Engels, aveau deja în spate programul lor revoluționar, Manifestul Comunist , un apel la arme pentru ca proletariatul internațional să se elibereze de cătușele capitaliste și să răstoarne burghezia care acumula mijloacele de producție ca proprietate privată extractivă. O astfel de analiză economică și de clasă avea să fie imortalizată în Das Kapital sau Capitalul din 1867 , dar, pe măsură ce Marx s-a stabilit pentru prima dată la Londra, vocea principală a teoriilor sale despre materialismul istoric și luptele de clasă a fost partidul internațional Liga Comuniștilor.

Fondată în 1847 ca o fuziune între Liga Dreptăților, liderul laburist Karl Schapper, și Comitetul de Corespondență Comunistă al lui Marx și Engels, Liga Comunistă a fost, în mare parte, primul partid marxist și a cuprins mulți membri care îl considerau chiar și pe Marx prea conservator în strategia și abordarea sa revoluționară. Un astfel de impulsiv a fost August Willich.

Născut în nobilimea prusacă, Willich avea să demisioneze din funcțiile sale de ofițer în Regimentul de Artilerie de Câmp și să renunțe la titlurile sale, convins că republicanismul și socialismul erau căile de urmat. Participând direct la revoluțiile din 1848, a condus o revoltă a Corpului Liber în Marele Ducat de Baden, avându-l pe Engels ca aghiotant. După înăbușirea revoltei de către armata prusacă, a fugit în Anglia și a învățat meseria de tâmplar în timp ce era activ în facțiunea de stânga a Ligii Comuniste, alături de Schapper.

Reunindu-se la întoarcerea lui Willich și Engels la Londra, viitorul Ligii Comuniste era deja pus la îndoială. Apăruse o fractură, Willich și Schapper favorizând continuarea activității revoluționare, în timp ce Marx și Engels avertizau împotriva „aventurismului”, insistând în schimb pentru o construire mai solidă a unei mișcări muncitorești internaționale.

Potrivit activistului și politicianului socialist Wilhelm Liebknecht, tatăl viitorului cofondator al Ligii Spartacus și al Partidului Comunist din Germania, Karl Liebknecht, Willich și revoluționarul francez Emmanuel Barthélemy au considerat abordarea temperată a lui Marx față de cauza comunistă atât de scandalos de conservatoare încât cei doi au complotat să-l asasineze.

Înfuriat, Willich l-a insultat public pe Marx și l-a provocat la duel. Refuzând, impulsivul a fost contestat de directorul publicației Neue Rheinische Zeitung, Konrad Schramm, în locul lui Marx. Îndreptându-se spre Belgia din cauza interzicerii duelurilor în Marea Britanie, Willich a avut experiență militară prevalabilă, câștigând duelul cu pistolul, iar Schramm a supraviețuit în cele din urmă cu o rană la cap. După ce apartenența la Liga Comunistă a fost descoperită, chipurile de către maestrul spion al Feldgendarmeriei prusace, Wilhelm Stieber, detaliile au fost trimise Franței și mai multor state germane, ceea ce a dus la Procesul Comunist de la Köln din 1852, prin care șapte dintre cei unsprezece inculpați au fost condamnați la șase ani de închisoare.

Marx avea să rămână la Londra ca academician apatrid, văzând primul volum din „ Capitalul ” publicat în timpul vieții sale și supervizând numeroase eseuri despre dialectică și reportaje de război. Decedat în 1883, a fost înmormântat la o adunare modestă în Cimitirul Highgate, iar mai târziu s-a mutat la câțiva metri împreună cu familia sa în 1954 pentru a fi onorat cu bustul impresionant al lui Laurence Bradshaw, finanțat de Partidul Comunist din Marea Britanie . Willich s-a îndreptat spre SUA la începutul anului 1861 pentru a se alătura eforturilor Uniunii în Războiul Civil, înrolându-se în Regimentul 9 Infanterie din Ohio și fiind promovat la gradul de maior în augustul acelui an, participând la acțiuni în Bătălia de la Rich Mountain, apoi fiind numit colonel în Regimentul 32 Infanterie Indiana, format integral din germani.

Întorcându-se în Germania în 1870, trecutul comunist al lui Willich a însemnat refuzul armatei prusace de a ajuta războiul franco-prusac. Întors în SUA, a murit în 1878 în St Marys din Ohio și a fost înmormântat în cimitirul Elmgrove.

În ciuda tulburărilor și a ciocnirilor fantastice dintre cei doi radicali, amenințarea duelului nu l-a împiedicat pe Marx să-l laude pe ofițerul militar devenit revoluționar socialist, notând în adițiile ulterioare la Revelațiile privind procesul comunist de la Köln : „În Războiul Civil din America de Nord, Willich a arătat că este mai mult decât un vizionar”.

$$$

 PIERRE CHODERLOS DE LACLOS

Născut în octombrie 1741 la Amiens într-o familie nobilă mică și recentă, Pierre Choderlos de Laclos (pronunțat „fierbinte”) este unul dintre puținii soldați profesioniști din literatura franceză. Încurajat de tatăl său și plin de ambiție, s-a antrenat în artilerie și și-a urmat cariera acolo. Din păcate! În geopolitică, lucrurile erau calme: Franța a semnat sfârșitul Războiului de Șapte Ani în 1763. Prin urmare, Laclos a dus o viață plictisitoare de garnizoană până la revoluție. Avansarea sa în ierarhie a fost blocată de nașterea sa. Inventiv și metodic, Laclos a încercat să-și facă un nume scriind tratate tehnice și participând la controverse privind strategia militară. Fără rezultat. Și-a investit apoi dorința de glorie în literatură. Însărcinat cu supravegherea construcției unui fort pe Insula Aix , s-a cufundat în scrierea Legăturilor periculoase , continuate în timpul concediilor prelungite.

Legături periculoase, un roman scandalos

Cartea a fost publicată în al patruzecelea an al autorului, în 1782. Îndrăzneala acestui roman scris cu litere a uimit publicul. A fost un succes imediat, dar armata a apreciat foarte puțin un roman atât de tulburător. Choderlos s-a căsătorit cu Marie-Soulange Duperré și pare să fi fost un model de afecțiune și loialitate. A intrat în tumultul revoluției la vârsta de 48 de ani, l-a urmat pe Bonaparte ca prim consul și a murit în 1803 în timpul unei campanii militare la Taranto, Italia.

Secolul al XVIII-lea a fost un secol ateu în Franța. Nu se mai punea problema de a face, așa cum a făcut Pascal cu un secol mai devreme, o apologie a religiei creștine. Preoții erau batjocoriți, clerul era combătut, problemele morale, politice și educaționale erau discutate fără tabuuri. Laclos însuși a scris un eseu despre educația femeilor , în care acuza societatea că le-a redus la sclavie și „ le-a obișnuit cu robie ”. Le-a sfătuit să se unească între ele („ nu așteptați ajutor de la bărbați, autorii relelor voastre”) și să întoarcă rolurile: „ învățați că nu puteți scăpa de sclavie decât printr-o mare revoluție ”. La fel ca autorii timpului său, Laclos a acordat foarte puțină atenție lui Dumnezeu și a promovat ideea că imoralitatea nu era întotdeauna acolo unde credea cineva că este.

Literatura este, de asemenea, o chestiune de influență, iar Laclos îi datorează mult lui Rousseau . Considerând Noua Héloïse „ cea mai frumoasă dintre operele produse sub titlul de roman ”, Laclos preia codurile romanului prin scrisori, atât de populare încă de la Scrisorile persane . Nimic nou în acest sens.

Originalitatea profundă a lui Laclos constă în portretizarea extrem de grosolană a perversiunii, fără a o însoți de un întreg catehism care să explice cine este bun și cine este rău (spre deosebire de adaptarea foarte slabă de pe Netflix din 2022). Laclos nu denunță nimic; el spune o întâmplare. Este Madame de Merteuil o victimă sau o vinovată? Putem pune aceeași întrebare și pentru Madame Bovary. Stabilind ca principiu narativ faptul că autorul nu ar trebui să-și judece personajele, Flaubert a fondat romanul modern. Ar fi putut fi influențat de Laclos? Nu este interzis să credem asta. În orice caz, această distanță respectuoasă dintre autori și personajele lor le-a permis celor două eroine să supraviețuiască secolelor.

Când a fost publicată pentru prima dată în 1782, Legături periculoase a provocat reacții nedumerite: oamenii lăudau profunzimea personajelor desenate, fiind în același timp deranjați de aspectul lor malefic și seducător în același timp . Aceasta este puterea acestui roman și motivul pentru care este încă citit și o sursă de inspirație. Madame de Merteuil este o figură aproape feministă în dorința sa de emancipare totală, este frumoasă, miroase bine, este atrăgătoare; în același timp, este teribil de pervertită. Este unul dintre cele mai izbitoare personaje din întreaga literatură. Spre deosebire de personajele clasice tradiționale, complete, cele din Legături periculoase sunt complexe și pot evolua în timp.

$$$

 LEONARDO DA VINCI ȘI MONA LISA

Orice fan al artei renascentiste sau baroce știe că cele mai faimoase lucrări care au dominat aceste perioade nu au fost picturi rapide și ușoare, care durau doar câteva săptămâni. Dimpotrivă, aceste picturi, realizate de artiștii pe care îi considerăm astăzi „Maeștri Vechi”, au durat ani de zile. Nu doar pentru că necesitau o precizie imensă, fiind adesea pictate pe pânze foarte mari, ci și pentru că vopseaua în ulei necesita mult timp pentru a se usca, iar alte proiecte erau comandate simultan. 

Ca orice muritor de rând, artiștii se puteau lăsa prinși în alte proiecte, călătorii și, ei bine, să piardă șirul lucrurilor. Acesta a fost cazul nimănui altcuiva decât cel mai faimos tablou realizat vreodată, Mona Lisa de Leonardo da Vinci .

Se spune că da Vinci a început să picteze cea mai mare operă a sa în 1503, dar a terminat-o abia în 1517, deci peste zece ani mai târziu. Criticii au încercat să explice posibilele motive ale întârzierii, primul evident fiind perfecționismul.

Nu este surprinzător faptul că Leonardo era un perfecționist; tot ce trebuie să faci este să te uiți la picturile sale pentru a-ți da seama. La acea vreme, artistul era cunoscut pentru atenția sa meticuloasă la detalii, iar acest lucru este evident în netezimea vopselei, palpabilitatea pielii „Giocondei”, până la șuvițele individuale de păr. Se spune că, pentru a face acest lucru, a revizitat și a rafinat aceleași secțiuni ale pânzei de mai multe ori și pe perioade lungi de timp, ceea ce, datorită maleabilității și umezelii vopselei în ulei, putea fi realizat.

În plus, în această perioadă, au continuat să apară noi tehnici de pictură, care au devenit apoi practică obișnuită în perioada barocă târzie. De exemplu, tehnica sfumato și clarobscurul au fost folosite pentru a crea contraste dramatice de lumină și întuneric pentru o dimensiune adăugată. Stăpânirea acestor tehnici a necesitat timp, deoarece Leonardo a trebuit să exerseze separat înainte de a-și aplica abilitățile la produsul final.

Fiind un artist incredibil de popular, foarte solicitat de cei mai bogați mecenați, a fost adesea comandat pentru mai multe proiecte și s-a trezit jonglând cu diferite angajamente, ceea ce însemna că termenele proiectelor personale puteau fi întrerupte luni de zile înainte de a fi reluate. Contextul politic al vremii a influențat, de asemenea, foarte mult patronajul său, iar schimbarea mecenatului a dus adesea la întârzieri în finalizarea unei picturi. Poate că, dacă Leonardo ar fi știut cât de reușită va fi această operă de artă, ar fi terminat-o mai repede!

Așa cum am spus, finalizarea picturilor nu era un proces liniar în care un artist picta o singură pânză de la început până la sfârșit. Deși finalizată cu mulți ani înainte ca Mona Lisa să fie realizată, fresca Cina cea de Taină a lui Leonardo necesita adesea vizite frecvente pentru restaurare și reparare, având în vedere că era o pictură murală, ceea ce ocupa timp din lucrul la portret.

În al doilea rând, Leonardo nu a fost doar un pictor, ci un matematician pasionat, om de știință și gânditor creativ. În timpul vieții sale, a devenit din ce în ce mai interesat de studiul anatomiei, ingineriei și botanicii. O fascinație pentru aceste studii se observă în picturile sale, în modul în care a reușit să reproducă proporții anatomice exacte, texturi ale anumitor plante și proporții ale clădirilor. Prin urmare, putem spune că studiile științifice ale lui Leonardo au avut, fără îndoială, un impact pozitiv asupra abilităților sale artistice.

Când a murit în 1519, Mona Lisa a fost găsită finalizată în studioul său. O observare atentă a constatat că mai multe straturi subțiri de glazuri de ulei fuseseră întinse pe pânză în momente diferite, de unde și diferitele crăpături de vopsea cunoscute sub numele de „craquelure” apar pe toată pânza și pe multe picturi din acea vreme. Cu toate acestea, se poate identifica momentul în care diferite părți ale picturii au fost finalizate uitându-se la cantitatea de craquelure. De exemplu, mâinile au mai puține și mai fine, corespunzătoare unei perioade de pictură ulterioare.

O privire asupra istoriei acestor capodopere ne poate oferi adesea o perspectivă asupra minților și vieților artiștilor care le-au creat, însetați de inspirație, de multe ori, găsind-o în altă parte, pentru a crea operele lor definitorii.

$$$

 MOMENTUL ÎN CARE DALI ERA SĂ MOARĂ

Printre lucrurile excentrice și complet nebunești pentru care este cunoscut artistul suprarealist Salvador Dalí , unul dintre ele este momentul în care aproape s-a sufocat într-un costum de scafandru la o expoziție de artă. Vedeți voi, este clar că nu există limite la ceea ce a fost dispus să facă acest geniu artistic și nebun pentru a-și exprima punctul de vedere, chiar dacă asta însemna să-și pună viața în pericol.

Totul a început în 1936, când Dalí a vizitat un magazin de scafandri din sud-estul Angliei, în căutarea unui costum de scafandru pentru adâncuri. Motivul? Voia să călătorească în cele mai adânci adâncuri ale subconștientului uman. Ne putem doar imagina expresia de pe fața vânzătorului când a anunțat acest lucru. Această „misiune” urma să joace un rol într-o prelegere pe care urma să o susțină publicului larg la Expoziția Internațională de Suprarealism din Londra.

Acest eveniment avea să fie și este astăzi amintit ca fiind cea mai mare expoziție despre suprarealism . A reunit cele mai importante nume din arta secolului XX, de la Pablo Picasso , René Magritte și Max Ernst la Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp și mulți alții. A fost un eveniment atât de important încât, în ziua deschiderii, în iunie același an, mulțimile enorme care se îndreptau spre expoziție au dus la oprirea traficului în Piccadilly . 

Mișcarea suprarealistă era recunoscută pe scară largă în Europa și America, dar încă își făcea loc în societatea britanică, iar această expoziție a servit ca un fel de bal al debutantelor pentru ca acest lucru să se întâmple. Dacă nu ar fi fost al Doilea Război Mondial, mișcarea ar fi realizat probabil mult mai mult. 

Într-adevăr, pentru cei care nu știu, suprarealismul s-a născut din dadaism, o mișcare anti-război postbelică care a căutat să scoată la iveală ororile Marelui Război asupra corpului și psihicului uman. De fapt, artiștii suprarealiști credeau că, pentru a se îmbunătăți ca civilizație, omenirea ar trebui să studieze și să exploreze subconștientul și efectul său puternic asupra acțiunilor umane. 

Dar să revenim la Dalí și escapadele sale nebunești. Urmând principiile suprarealismului pe care tocmai le-am subliniat, Dalí a vrut să poarte costumul de scafandru pentru a-i încuraja pe ascultători să călătorească în subconștientul lor alături de el. Nu sunt însă sigur cum avea să facă asta fără să fie ridiculizat complet. Putere de vedetă?

În ziua respectivă, a intrat în cameră cu doi câini de vânătoare ruși uriași ținuți într-o mână, probabil că ar fi trebuit să acționeze ca paznici în timp ce își evacua temporar mintea conștientă. În cealaltă mână, ținea un tac de biliard. Inițial, utilizarea acestuia nu era clară. Cu toate acestea, pe parcursul prelegerii, a devenit evident că se sufoca încet în interiorul căștii și că aceasta a trebuit să fie scoasă cu tacul de biliard.

Salvat de alții înainte de a muri prin asfixiere, Dalí a continuat fără probleme, ca și cum nimic nu s-ar fi întâmplat. Și-a încheiat prezentarea cu o proiecție de diapozitive, dar diapozitivele au fost prezentate în mod natural cu susul în jos. Oare pentru că încă îi lipsea oxigenul în creier pentru a lua decizii logice sau a fost o alegere stilistică deliberată a acestui artist bizar? Nu vom ști niciodată.