$$$

 IVAN AIVAZOVSKI

Copilărie

Ivan Konstantinovich Aivazovsky s-a născut în 1817, în Theodosia (scris și sub numele de Feodosia), un port de la Marea Neagră care, deși mic, a cunoscut secole de comerț cosmopolit. Un călător arab din secolul al XIV-lea a raportat două sute de corăbii în portul său. Tatăl lui Ivan, Konstantin, a fost un negustor armean care și-a pierdut o mare parte din avere când orașul a fost lovit de ciumă cu cinci ani înainte de nașterea lui Ivan. Aivazovsky, botezat Hovhannes, forma armeană a lui Ivan, era cel mai mic dintre trei fii și a crescut într-o casa mică, cu un etaj, văruită în alb, pe un deal deasupra portului, de unde avea o vedere panoramică asupra mării.

Portul plin de viață, cu numeroasele sale limbi, a fost un mediu fertil în care să crești și succesiunea sa nesfârșită de nave și marinari ar fi fost o reamintire constantă a lumii în general. Tradiția familiei este că tânărul Ivan a început să deseneze cu cărbune de samovar pe pereții văruiți în alb. Fie cu aceste desene, fie într-un alt fel, talentul său a atras atenția prietenului tatălui său, un arhitect. I-a dat băiatului lecții de perspectivă și i-a arătat desenele rezultate guvernatorului orașului, un om cult și bine conectat, care avea să-i deschidă ușile tânărului armean talentat.

Educație și formare timpurie

Tânărul Ivan s-a împrietenit cu fiul guvernatorului orașului și a primit acuarele și hârtie de la guvernator, a cărui promovare în responsabilitățile provinciale a făcut să-și mute familia la Simferopol, capitala provinciei. Urmând școala acolo, cercul de prieteni al lui Ivan s-a extins pentru a include fiul Nataliei Feodorovna Naryshkin, o femeie cu legături cu nobilimea rusă, care l-a plăcut pe Ivan și l-a ajutat să obțină o bursă de șase ani la Academia Imperială de Arte din Sankt Petersburg.

Călătoria de o săptămână a lui Ivan, în vârstă de șaisprezece ani, la Sankt Petersburg, prin stepele ucrainene până la Moscova și mai departe spre splendidul oraș, care își cunoștea epoca de aur, trebuie să fi trezit în Aivazovski un sentiment ca o mare descoperire. Avea să folosească bine această oportunitate, chiar dacă i s-au părut nefamiliare pregătirea Academiei și protocoalele sociale. Un raport conform căruia a petrecut mult timp în incinta Academiei cu dureri în piept sugerează că Aivazovski nu a fost pe deplin fericit la Sankt Petersburg, dar a muncit din greu și a făcut față mai bine presiunii atunci când a fost inclus în clasa de peisaj a lui Maxim Nikiforovici Vorobiov. Noul său profesor era un lăutar ca Aivazovsky (care învățase singur să cânte la vârsta de zece ani), iar interesul lui Vorobiov pentru „atmosferă” în pictură l-a atras pe tânărul său elev.

Când împăratul Nicolae I l-a invitat pe pictorul francez Philippe Tanneur la Sankt Petersburg în 1835, Academiei i s-a cerut să furnizeze un asistent și i s-a dat postul lui Aivazovky. Tânărul l-a înfuriat pe maestrul francez luându-și concediu ca „bolnav” pentru a finaliza un tablou propriu, care a câștigat o medalie de argint la expoziția Academiei din acel an. Tanneur a cerut eliminarea picturii din expoziție, iar Aivazovsky a fost văzut de unii ca a comis un pas social greșit. Însă împăratul a cerut să-l vadă pe Aivazovsky și, impresionat de întâlnire, a cumpărat tabloul pentru Palatul de Iarnă și l-a trimis pe pictor la flota baltică în plină dezvoltare, ca o oportunitate de a face mai multă pictură maritimă.

Creșterea rapidă a lui Aivazovsky a depins de patronajul atras de talentul său, care era tipic pentru epocă. Dar începea să absoarbă accentul pus de Vorobiov pe atmosferă și să adapteze tehnica peisajului marin a lui Tanneur pentru a produce ceva distinct al lui. În 1836, a avut șapte tablouri în expoziția Academiei, câștigând o medalie de aur, iar un recenzant a prezis că „talentul artistului îl va duce departe”. Când Pușkin a vizitat expoziția, Aivazovsky a fost prezentat și poetul va apărea ca o figură contemplativă în câteva dintre picturile sale de pe malul mării în anii următori.

După un alt atașament ca observator cu o unitate navală angajată în lupte de-a lungul coastei Mării Negre, studiile lui Aivazovski în Europa au început cu sprijinul Academiei, ca parte a medaliei sale de aur și conform practicii Academiei de a-și trimite studenții promițători în capitalele europene. Aivazovsky a petrecut timp la Berlin, Viena și Roma, unde a trăit doi ani, iar călătoriile sale italiene l-au dus și la Veneția, Florența și Napoli, în timp ce alte călătorii au inclus Olanda, Anglia și șase luni la Paris. Lucrarea sa a fost bine primită, cu publicația italiană The Art Gazette scriind în 1840 că „ziarele i-au citat laudele cu voce tare și toți sunt unanimi că numai Aivazovski este capabil să înfățișeze lumina, aerul și apa atât de adevărat și de convingător”. Papa Grigore al XVI-lea i-a cumpărat tabloul „Haos” și l-a expus în Vatican, unde sunt prezente cele mai mari tablouri ale lumii. „Haosul” său este în general diferit de ceea ce s-a văzut înainte. În 1842, Aivazovsky l-a cunoscut pe pictorul englez JMW Turner, care locuia la Roma în acel an, iar Turner a admirat foarte mult precizia tehnică a picturilor lui Aivazovsky. Pe lângă Turner, influențele asupra lui Aivazovsky au inclus lucrări ale pictorului englez William Martin și ale pictorului francez Théodore Géricault.

În timp ce era un peripatetic Aivazovsky a călătorit, a pictat și a absorbit un sentiment despre ceea ce făceau alți artiști, mediul artistic și intelectual de la începutul anilor 1840 fiind încă profund afectat de romantismul târziu, dar o schismă era pe cale să izbucnească între slavofili și occidentalofili, între cei care căutau în mod distinctiv soluții estetice rusești și cei care doreau să facă parte din curentele europene mai mari în artă. În Italia, Aivazovsky l-a întâlnit și a călătorit cu scriitorul Nikolai Gogol, un slavofil hotărât, al cărui fundal provincial fusese similar cu al lui. Ambii bărbați se împăcau cu impactul romantismului asupra imaginației europene, dar, în timp ce Gogol submina pretențiile romantice în scrisul său, romantismul lui Aivazovsky avea să devină mai plin de energie și mai expansiv. În timp ce expunerea la arta Italiei și Parisului a perfecționat priceperea tehnică a lui Aivazovsky (el a numit timpul său în Italia o „a doua Academie”), Aivazovsky a absorbit aerul peisajelor marine olandeze, tulburările atmosferice ale lui Turner și slăbirea omului de către romantismul târziu în fața puterii naturii. Acest lucru l-a pus pe partea occidentalistă a rupturii intelectuale care a apărut în cultura rusă, nu în ultimul rând în căutarea unui stil distinctiv individual, mai degrabă decât a expresiei unei sensibilități deosebit de rusești. Ca atare, ne putem gândi la Aivazovsky ca fiind un protejat de succes al tradiției „academiei” din Europa, cu care Academia Rusă se aliniase.

Perioada de maturitate

Când s-a întors în Rusia după douăzeci de ani, Aivazovsky a devenit academician al Academiei Imperiale de Arte. El a avut deja mai mult succes decât contemporanii precum Alexey Tyranov, care și-a pictat portretul în 1841. A fost numit pictor șef al Marinei Ruse, permițându-i să producă mai multe peisaje marine, scene de coastă și bătălii navale - temele sale preferate. În 1845, după ce a călătorit la Constantinopol, pe care l-a văzut din punct de vedere romantic drept capitala spirituală a lumii sale, s-a stabilit în orașul său natal, Theodosia, unde și-a construit o casă și un studio impresionant și s-a bucurat de celebritate, ținând acolo o expoziție majoră a lucrării sale în 1846. În 1847 a devenit profesor de pictură pe mare la Academie.

În 1848, Aivazovsky s-a căsătorit cu Julia Graves, o guvernantă engleză cu care va avea patru fiice. Nu a fost o căsnicie fericită și legătura nu va fi fără întreruperi. Odată cu izbucnirea războiului din Crimeea, utilitatea lui Aivazovski ca pictor al scenelor navale agitate l-a văzut din nou urmărind flota. La sfârșitul războiului, a mers la Paris și a pictat acolo douăzeci și cinci de tablouri, expunându-le cu succes considerabil și vânzând multe. Împăratul francez i-a recunoscut munca și statutul social acordându-i Legiunea de Onoare, o realizare unică pentru un pictor străin. Aivazovsky, academicianul, devenise un pilon al instituției artistice rusești și o parte a elitei culturale europene.

Cu toate acestea, în anii 1860 și 1870, Rusia a văzut schimbări seismice care l-au făcut pe Aivazovsky ceva ca un dinozaur artistic. Odată cu succesiunea lui Alexandru al II-lea, „țarul eliberator” care a relaxat stăpânirea imperială asupra societății ruse, emanciparea iobagilor și alte reforme sociale, au existat apeluri pentru „aducerea artelor în popor” și pentru ca artiștii să se ocupe de realitățile sociale ale propriei țări. Ca adept al vechii ordini artistice, Aivazovski a refuzat să se schimbe - subiecții lui au rămas cei grandiosi pe care și-a construit succesul - mările cuprinzător de romantice, imaginația vizionară a splendorii Constantinopolului, vastitatea stepelor, isprăvile navale simbolizând vitejia omului în fața forțelor elementare.

În 1867, împărăteasa și copiii ei, întorcându-se dintr-o vizită la Constantinopol, și-au anunțat intenția de a-l vizita pe Aivazovsky în Theodosia, unde acum avea o moșie în afara orașului. A întâlnit iahtul imperial în port, însoțit de gondole acoperite cu flori. Supravegheat de Aivazovsky, orașul a fost împodobit cu steaguri și a fost construit un arc de triumf, copii costumați au interpretat un balet special și a avut loc o masă bogată la moșia lui Aivazovsky pe un fundal uriaș pictat al unui Constantinopol romantizat. În următorii treizeci de ani, Rusia va vedea schimbări sociale și culturale profunde, dar este ca și cum pictura lui Aivazovsky s-a blocat în timp în acea zi, când a distrat-o pe împărăteasă în orașul în care a scăpat de umila lui educație și i-a oferit un tablou cu festivitățile lor extravagante.

Perioada târzie și moartea

În 1887, Aivazovsky a găzduit o cină pentru 150 de prieteni, la care i-a dăruit fiecărui oaspete un tablou în miniatură așezat într-o fotografie de studio cu el însuși la serviciu.

Aivazovsky va continua să picteze prolific și profitabil, până la ultima sa expoziție din Sankt Petersburg, în 1900, nu cu mult înainte de moartea sa, iar ultimele trei decenii au văzut tehnica sa consolidată magistral. Abilitatea lui de virtuoz era în a repeta ceea ce devenise atât de reușit să facă. Când i-a transformat pe pescarii din Theodosia în gondolieri venețieni pentru încântarea împărătesei, Aivazovsky a pus în scenă o versiune a propriei viziuni picturale, în care obișnuitul dispare în spatele artei sublimului în mod conștient.

Aivazovsky și-a petrecut ultimii ani în Theodosia, unde a jucat un rol în înființarea unui port comercial care era legat de rețeaua feroviară a Imperiului Rus. Când gara a fost deschisă în 1892, a fost numită Ayvazovskaya, în onoarea artistului. A înființat o școală de artă în Theodosia, a continuat să călătorească - expoziția sa din 1872 de la Nisa a atras mulțimi enorme - și a deschis prima galerie de artă provincială din Rusia. A mai primit onoruri. S-a recăsătorit mai fericit la vârsta de șaizeci și cinci de ani, cu văduva armeană de douăzeci și cinci de ani, Anna Burnazian. În 1892, a călătorit în America de Nord, unde a avut douăzeci de picturi la Expoziția Mondială de la Chicago. La cea de-a 80-a aniversare a lui, Theodosia a fost din nou împodobită cu steaguri de sărbătoare, hotelurile sale pline de demnitari în vizită. Nu după mult timp, și-a susținut ultima clasă la Academie - o demonstrație practică de două ore energică a tehnicii peisajului marin, care s-a încheiat cu aplauze puternice.

Când Aivazovski l-a întâlnit pe dramaturgul și autorul rus Anton Cehov în 1888, scriitorul a rezumat personalitatea artistului afirmând: „Aivazovski […] este plin de simțul propriei sale importanțe, are mâinile blânde și îți strânge mâna ca un general. Nu este foarte strălucitor, dar este o personalitate complexă, demnă de un studiu ulterioar, un artist armean, un episcop, un general, un studiu suplimentar. un bătrân țăran naiv și un Othello.” Aivazovski s-a stins din viață la 2 mai 1900 și a fost înmormântat în curtea bisericii armene Sf. Sargis. Mormântul său este marcat cu un sarcofag de marmură al sculptorului italian L. Biogiolli, cu o inscripție pe care scrie „El s-a născut muritor, a lăsat o moștenire nemuritoare”.

În 2007, un monument al lui Aivazovsky, proiectat de sculptorul Vladimir Gorevoy și arhitectul Nikolai Elgazin, a fost instalat la Kronstadt, unde artistul mergea adesea să picteze peisaje marine.

În 2003, un monument pentru Aivazovsky de sculptorul Yu Petrosyan a fost ridicat în capitala Armeniei, Erevan, iar în 2007, un monument al lui Aivazovsky, proiectat de sculptorul Vladimir Gorevoy și arhitectul Nikolai Elgazin, a fost instalat în Kronstadt, un oraș port și bază navală de pe insula Kotlin, chiar la vest de Sankt Petersburg, unde artistul mergea adesea să picteze peisaje marine. În 2018, cetățenii ruși au votat pentru ca Aeroportul Internațional Simferopol să fie redenumit în onoarea lui Aivazovsky, iar chipul lui apare și pe biletul de 20.000 de drahme armenești. În 2023, Muzeul Metropolitan de Artă din New York a făcut furori când, ca răspuns la invazia rusă a Ucrainei, l-a reclasificat pe Aivazovsky ca artist ucrainean. Istoricul armean Vartan Matiossian a contestat această decizie, numind-o un „efort decolonizat greșit” și argumentând că „faptul că [Aivazovsky] a fost botezat ca Hovhannes Aivazian în Biserica Apostolică Armenească Sf. Sargis din Feodosia și îngropat în aceeași biserică 83 de ani mai târziu, împreună cu identitatea sa puternică ar trebui să spună deja ceva despre identitatea sa armeană cu poporul său armean și nu ucrainean.”

Pe 18 februarie 2024, un tablou Aivazovsky intitulat Moonlit Night (1878) a fost vândut la Casa de licitații din Moscova din Rusia pentru aproximativ 1 milion de dolari. Ceea ce a făcut vânzarea controversată a fost faptul că lucrarea a fost documentată ca fiind furată de la Muzeul de cunoștințe locale din Mariupol din Ucraina. Lydia Zaininger, directorul executiv al Institutului Ucrainean al Americii, a afirmat că „Aducerea lui la licitație publică este un afront la regulile internaționale, o încălcare flagrantă a legilor UNESCO care protejează arta furată și alte dovezi clare ale campaniei de genocid a Rusiei de distrugere a moștenirii culturale a Ucrainei”. Jurnaliștii New York Times Jeffrey Gettleman și Oleksandra Mykolyshyn au scris în 2023 că „Experții internaționali în artă spun că jefuirea [artei ucrainene de către Rusia] ar putea fi cel mai mare furt colectiv de artă de când naziștii au jefuit Europa în al Doilea Război Mondial”.

Moștenirea lui Ivan Aivazovsky

Deși Aivazovsky rămâne puțin cunoscut în afara Rusiei, acolo, el este celebrat ca unul dintre cei mai mari pictori și, cu siguranță, cel mai mare pictor de peisaj marin pe care țara l-a cunoscut vreodată. Într-adevăr, în Rusia, în jurul momentului morții sale, sintagma „vrednic de pensula lui Aivazovsky” (care a apărut pentru prima dată în piesa lui Anton Cekov din 1897 „Unchiul Vania”) a devenit o vorbă comună pentru a descrie ceva frumos. Aivazovsky are, de asemenea, onoarea de a fi primul artist rus care își are lucrarea expusă la Luvru. Istoricul de artă Victoria Charles a scris că „realizările lui Aivazovsky au fost binemeritate, deoarece niciun alt artist nu a reușit să cuprindă cele mai dificile subiecte, ambianța în schimbare a mării, cu atâta intensitate și precizie. […] În concordanță cu marii artiști peisagistici ruși de la începutul secolului al XIX-lea și fără să imite vreodată pe nimeni, Aivazovski și-a creat în mod distinct propria școală a picturii maritime în timpul lui și al generațiilor viitoare”. Se crede că a executat între 6.000 și 20.000 de picturi de-a lungul vieții sale.

Aivazovsky a fost „ultimul romantic” al artei rusești. Călătoriile sale în capitalele europene l-au pus instinctiv de partea occidentalofililor în schisma culturală a Rusiei de la sfârșitul secolului al XIX-lea, dar reacția sa ulterioară la apelurile slavofile pentru o artă mai autentică a fost să se retragă într-o conservatoare și visătoare viață, ca o viziune hibridă a capitalei spirituale a Constantinopolului și a identității europene în taberele țiganilor ca idealizare a comunității, a pescarilor de mare și a țăranilor de stepe, a fermelor ucrainene încălzite de bunăvoința aproape divină a unui soare hrănitor. Aivazovsky nu a fost un pictor în aer liber - a pictat în atelierul său din desene - și scenele sale nu sunt niciodată explorări ale ceea ce privea, ci mai degrabă imagini asamblate din detalii adunate și din propria sa memorie. În mod obișnuit, nu a asistat la ceea ce a pictat, ci în schimb a adunat suficiente detalii în caietele lui de schițe pentru a picta ceva ce văzuse în mintea lui. În această privință, moștenirea lui Aivazovsky este considerată de unii ca fiind minimă, romantismul său superficial, procesul de lucru și intențiile lui auto-indulgente cu gustul critic de astăzi, schimbarea sa rapidă de pânze satisfăcând cererea pentru mai multe din partea expozanților și cumpărătorilor săi și conservatorismul său care nu poate fi atins de forțele radicale care ar remodela și revigora cultura rusă.

În altă privință, totuși, moștenirea lui Aivazovsky încă rezonează. Cerurile lui au fost întotdeauna pictate subțire, de obicei într-o singură sesiune rapidă folosind spălări subțiri, dar mările lui au fost stratificate cu perii groase, lucrând spre exterior dintr-un centru de detaliu, cum ar fi o navă, astfel încât viziunea periferică să fie mai impresionistă decât detaliată. Spre deosebire de alți academicieni din secolul al XIX-lea care au lucrat cu minuțiozitate și metodic peste o pânză în detalii precise, implicarea lui Aivazovsky cu pânza ar putea fi mult mai instantanee, întruchipată și viscerală uneori. Își propulsa corpul la suprafață, pensula în mână, pentru a crea forța pe care și-o dorea în vopsea. Vizitatorii studioului său relatează efortul fizic pe care l-a depus și epuizarea care rezultă adesea din munca rapidă și cu atâta intensitate fizică. În timp ce scenele placide ale lui Aivazovsky se simt adesea învechite și lipsite de viață acum, multe dintre peisajele sale marine furtunoase încă se amestecă cu această energie și fizic. Acest angajament al propriului său corp față de actul picturii și visceralitatea rezultată a mărilor sale ca suprafețe pictate, se simte încă viu și exemplare a ceea ce pictura poate realiza prin materialitatea sa brută.