$$$$

 JACKSON POLLOCK

Copilărie

Paul Jackson Pollock s-a născut în Cody, Wyoming, în 1912, al cincilea și cel mai mic fiu al unei familii de origini irlandezo-scoțiene. Pollock avea doar zece luni când familia s-a mutat în San Diego. Munca tatălui său ca geodez îi va forța să se mute în mod repetat în sud-vest în anii următori, până când, când Pollock avea nouă ani, tatăl său a abandonat familia, pentru a se întoarce când Jackson însuși a plecat de acasă. Deși Pollock a avut o educație grea, a ajuns să iubească natura - animalele și întinderea pământului - și în timp ce locuia în Phoenix în 1923 a descoperit arta nativilor americani.

Educația timpurie

Pollock a urmat Liceul de Arte Manuale din Los Angeles, unde s-a împrietenit cu Philip Guston și, de asemenea, a fost introdus în ideile teosofice care l-au pregătit pentru interesele sale ulterioare în suprarealism și psihanaliza. Doi dintre frații mai mari ai lui Pollock, Charles și Sanford, au urmat și ei o carieră ca artiști, iar încurajarea lor l-a atras la New York în 1930, unde a studiat sub pictorul regionalist Thomas Hart Benton la Art Students League.

În New York, Pollock a fost atras de vechii maeștri și a început să studieze pictura murală. A studiat picturile murale ale lui Benton din 1930-1931 la New School for Social Research și l-a cunoscut pe proeminentul muralist mexican José Clemente Orozco. Mai târziu și-a petrecut o vară observând picturile murale ale lui Diego Rivera la New Workers School, iar în 1936 s-a alăturat Atelierului Experimental al unui alt muralist, David Alfaro Siqueiros, unde a învățat să folosească tehnici de pictură neortodoxe. Pânza proprie a lui Pollock, „Going West” (1934-35), îmbină multe dintre aceste influențe și este tipică stilului său în acest moment. În 1937 a fost repartizat la Proiectul Federal de Artă al Diviziei Easel a Administrației Progresului Lucrărilor.

În mare parte a anilor 1930, Pollock a locuit cu frații săi în Greenwich Village și, uneori, era atât de sărac încât a trebuit să lucreze ca îngrijitor și să fure mâncare pentru a supraviețui. În 1932, însă, a fost invitat să participe la cea de-a 8-a Expoziție de acuarele, pasteluri și desene de artiști americani și francezi la Muzeul Brooklyn, prima sa expoziție.

Perioada de maturitate

În 1936, Pollock a cunoscut-o pentru scurt timp pe Lenore ("Lee") Krasner. În timp, relația lor avea să aducă unele dintre puținele perioade de calm și fericire pe care Pollock le-a cunoscut vreodată. Însă cei doi nu s-au reîntâlnit decât în 1941, după care s-au implicat romantic și s-au căsătorit în 1945. Între timp, alcoolismul lui Pollock - care era o problemă încă din adolescență - l-a împins în tratament încă din 1938, iar în 1939 a primit psihanaliză jungiană. Analistul său l-a încurajat să realizeze desene pentru a-și ajuta recuperarea, iar metodele și motivele din aceste desene - deși modelate de Joan Miró, Pablo Picasso, Jose Clemente Orozco și teoriile lui John Graham - și-au găsit curând drum în lucrări precum „Guardians of the Secret” (1943).

În ciuda problemelor sale personale, Pollock a rămas încrezător în arta sa. Krasner a fost impresionat când i-a văzut lucrarea la începutul anilor 1940 și i-a prezentat-o profesorului ei, Hans Hofmann. Hofmann a fost la fel de entuziasmat, iar întâlnirea s-a transformat într-o prietenie de durată între cei doi bărbați. Se spune că Hofmann a remarcat că Pollock trebuia să lucreze mai mult din natură, la care Pollock a dat un răspuns celebru: „Eu nu pictez natura, eu sunt natura”.

WPA a luat sfârșit în 1943 și Pollock a fost forțat să-și găsească de lucru pe cont propriu. Împreună cu diverse slujbe ciudate, a devenit custode la Muzeul Picturii Non-Obiective (mai târziu Muzeul Guggenheim) și acolo a cunoscut-o pe Peggy Guggenheim, care l-a invitat să trimită lucrări la noua ei galerie, The Art of This Century. În cele din urmă, Guggenheim i-a oferit lui Pollock un contract, iar în 1943 ea i-a oferit prima sa expoziție personală, care a fost bine primită. Criticul Clement Greenberg a remarcat că Pollock a absorbit și a depășit pictura murală mexicană, Picasso și Miró. Imaginile încă purtau multă figurație, deși referințele au rămas ascunse - așa cum a spus Pollock, „Aleg să văluresc imaginile”.

În același timp, Peggy Guggenheim a comandat și un tablou pentru holul de la intrarea apartamentului ei din New York. Lucrarea rezultată a fost „Mural” (1943), care s-a dovedit importantă în tranziția lui Pollock de la un stil modelat de picturi murale, arta nativilor americani și modernismul european către tehnica sa matură de picurare. Și Guggenheim a fost cea care l-a ajutat din nou pe Pollock când a avut nevoie de un avans pentru a-și asigura o fermă veche în orașul The Springs de pe Long Island. El și Krasner au cumpărat ferma în toamna anului 1945 și s-au căsătorit în octombrie. Krasner spera că distanța față de luptele și ispitele orașului le va oferi amândurora o mare oportunitate de a-și continua pictura în izolare și pace.

Modul în care Pollock a ajuns la tehnica sa de picurare a fost o chestiune de discuții academice lungi și neconcludente, dar munca sa făcea deja pași în acest sens la mijlocul anilor 1940. A început să piardă imaginile simbolice ale imaginilor sale anterioare și a căutat mijloace de exprimare mai abstracte. Experiența sa de a picta „Murale” pentru apartamentul lui Guggenheim a fost, de asemenea, importantă în stimularea lui, iar în 1945 a pictat „There Were Seven in Eight”, un tablou în care imaginile recunoscute au fost complet suprimate, iar suprafața a fost împletită printr-un încâlcit viu de linii. În anii următori, stilul său a devenit și mai îndrăzneț și abstract și a produs lucrări precum „Shimmering Substance” (1946). În anul următor, a ajuns în cele din urmă la ideea de a arunca și turna vopsea și, astfel, a găsit mijloacele de a crea rețelele de culoare ușoare, aerisite și aparent nesfârșite spre care se tindea. Au rezultat capodopere precum „Full Fathom Five” (1947). Pollock făcuse o altă invenție stilistică și ajunsese la o metodă care sintetiza impresionismul, suprarealismul și cubismul.

„Shimmering Substance” a condus la lucrări precum „Number 1A” (1948), o pânză mai mare decât era familiarizat Pollock și densă cu o rețea de culoare orbitoare. El a descoperit că era cel mai nimerit să abordeze astfel de lucrări prin poziționarea pânzei pe podea, mișcându-se în jurul ei și aplicând vopseaua din toate părțile. Înmuind un băț mic, o perie de casă sau o mistrie în vopsea și apoi mișcându-și rapid încheietura mâinii, brațul și corpul, a lăsat-o să picure și să cadă în ritmuri de țesut peste suprafață. Tehnica - simbolul a ceea ce criticul Harold Rosenberg ar numi Action Painting - rareori permitea pensulei să atingă direct pânza. „Pe podea sunt mai în largul meu”, a spus el. „Mă simt mai aproape, mai parte din pictură, deoarece în acest fel pot să mă plimb în jurul ei, să lucrez din cele patru laturi și să fiu literalmente în pictură.” Lucrările lui Pollock au devenit astfel atât despre proces cât și despre produs. Au devenit o înregistrare a performanței picturii - jocul lui în și în jurul pânzei, unde putea să le introducă ca participant și să plutească deasupra lor ca creatorul lor. „Nu este nici un accident”, a spus odată Pollock, „cum nu există început sau sfârșit.. Uneori pierd un tablou, dar nu mă tem de schimbări, de distrugerea imaginii, pentru că un tablou are o viață proprie”.

Criticii s-au grăbit să recunoască puterea muncii mature a lui Pollock. Greenberg, care era susținătorul său cel mai ferm și mai puternic, a scris la acea vreme: „Superioritatea [lui] față de contemporanii săi din această țară constă în capacitatea sa de a crea artă cu adevărat violentă și extravagantă fără a pierde controlul stilistic”. Dar când fotografiile lui Pollock au ajuns la un public mai larg, prin acoperirea în reviste precum Vogue și Life, răspunsul a fost un amestec de șoc și neîncredere. Nici nu a fost adulat pe scară largă la început, având doar un cerc restrâns de susținători. Succesul comercial avea să vină în curând, dar chiar și la apogeul său - după ce Galeria Art of This Century se închisese și proprietara galeriei Betty Parsons preluase contractul lui Pollock - pictorul era încă tratat pentru alcoolism.

Se presupune că Pollock nu a mai băut de la mijlocul anului 1948 până la sfârșitul anului 1950, iar în acești ani a trăit în principal în Long Island, venind doar ocazional în oraș. În 1950, a avut o expoziție personală de succes și, împreună cu Arshile Gorky și Willem de Kooning, a fost selectat de directorul MoMA Alfred H. Barr, Jr., pentru Bienala de la Veneția. Dar un an mai târziu bea din nou.

Perioada târzie și moartea

Abstracția radicală a lui Pollock părea să vestească o nouă libertate incredibilă pentru pictură, dar aparențe de imagini recunoscute au continuat să plutească pe fundalul imaginilor sale. Vasta întindere din „Blue Poles” (1952) este pictată cu ajutorul liniilor diagonale. Și „One: Number 31” (1950) păstrează un puternic simț al figurilor care dansează ritmic, în mijlocul diversității sale remarcabile de efecte. Pollock ar fi putut abandona realismul tinereții sale, dar a reușit totuși să-și facă picturile elocvent metaforice. La fel ca multe dintre pânzele sale din această perioadă, One evocă o stare de grandoare care o leagă de tradiția peisajului sublim care se întinde încă din secolul al XVIII -lea. De asemenea, strălucește ca și cum ar fi pătat de lumină în felul pânzelor lui Monet și mulți critici au speculat dacă Pollock a fost influențat de impresionistul francez.

Pollock nu și-a pierdut niciodată interesul pentru imaginile figurative - așa cum a spus odată: „Sunt foarte reprezentativ uneori, și puțin tot timpul. Dar când pictezi din inconștientul tău, figurile sunt neapărat să apară”. Încă de la sfârșitul anilor 1940, figurația a arătat semne de reapariție în opera sa. Până în 1950, în timp ce băutul a crescut, s-a întors la desen, reînviind unele dintre vechile sale motive și producând o serie de picturi turnate în principal alb-negru. Unele, precum „Yellow Islands” (1952), încorporează note de culoare și sunt extrem de abstracte; unele, precum „Echo: Numărul 25 (1951), sunt caligrafice în stil și doar figurative reziduale; altele poartă imagini clare ale capetelor. Au fost prost primite când Pollock le-a expus pentru prima dată, dar a continuat să lucreze la ele până în 1953, ultimul său an productiv de muncă.

Necazurile lui personale au crescut doar în ultimii săi ani. A părăsit Galeria Betty Parsons și, reputația lui precedându-l, s-a străduit să găsească o altă galerie. A pictat puțin în 1954, susținând că nu mai are nimic de spus. În vara anului 1956, Krasner a făcut o călătorie în Europa pentru a se îndepărta de Pollock și, la scurt timp după, pictorul a început o relație cu artista de 25 de ani Ruth Kligman, pe care o întâlnise la Cedar Bar. Apoi, în noaptea de 11 august 1956, în timp ce Pollock era beat și conducea cu Kligman și prietena ei, Edith Metzger, el a pierdut controlul mașinii, el și Metzger murind și rănind-o grav pe Kligman.

Moștenirea lui Jackson Pollock

Moștenirea imediată a lui Pollock a fost cu siguranță simțită cel mai mult de alți pictori. Opera sa a reunit elemente ale cubismului, suprarealismului și impresionismului și le-a depășit pe toate. Pe lângă această realizare, chiar și mari mari precum de Kooning, care a rămas mai aproape de cubism și s-a agățat de imaginile figurative, păreau să nu se oprească. Și cei mai buni dintre generațiile ulterioare de pictori ar trebui să-și asume realizările, așa cum Pollock însuși se luptase cu Picasso.

Și încă din 1958, când artistul de pionierat Allan Kaprow a abordat în mod explicit problema moștenirii sale într-un articol pentru Art News, unii au început să se întrebe dacă Pollock ar fi putut chiar deschide posibilități în afara domeniului picturii. Pentru a împrumuta cuvintele criticului Harold Rosenberg, Pollock a reimaginat pânza nu ca „un spațiu în care să reproduce, să reproiecteze, să analizeze sau să „exprima” un obiect.. [ci ca] o arenă în care să acționeze”. Și a fost un pas scurt de la această realizare până la interpretarea mișcărilor de balet ale lui Pollock în jurul pânzei ca o specie de artă performantă. De atunci, reputația lui Pollock a crescut. Subiect al multor biografii, al unui film biografic și al unor retrospective majore, el a devenit nu numai unul dintre cele mai faimoase simboluri ale artistului modern alienat, ci și o întruchipare pentru criticii și istoricii modernismului american în cea mai bună oră.