$$$

 JEFF KOONS

Copilăria și educația

Koons s-a născut în York, Pennsylvania, din părinții Henry și Gloria Koons. Tatăl său era comerciant de mobilă și lucra ca designer de interior și decorator, în timp ce mama sa era croitoreasă. La vârsta de opt ani, începuse să creeze replici ale unor picturi ale unor maeștri vechi , pe care le semna „Jeffrey Koons” și le vindea în magazinul tatălui său. Adolescent fiind, a devenit fascinat de Salvador Dalí . Dornic să-și întâlnească eroul, a sunat la hotelul în care se afla Dali în New York și a fost pus în legătură cu el. Dali s-a oferit să se întâlnească cu Koons și au participat împreună la o expoziție a lucrărilor sale la Galeria Knoedler. După absolvirea liceului, Koons s-a înscris la Maryland Institute College of Art din Baltimore, unde a continuat să-și cultive interesul pentru Dali, pictând peisaje onirice neo-suprarealiste.

În 1974, Koons a vizitat o expoziție la Muzeul Whitney de Artă Americană din New York City, realizată de Jim Nutt, membru fondator al mișcării suprarealiste din Chicago din anii 1960, Chicago Imagists. Expoziția a reprezentat un moment de cotitură în viața lui Koons și, pe baza acesteia, s-a transferat la Chicago pentru a lucra cu Nutt și alți profesori de imagism, printre care Karl Wirsum și Ed Paschke. Wirsum și Nutt au fost amândoi membri ai grupului The Hairy Who, cunoscuți pentru picturile lor luminoase, adesea grotești, inspirate de cultura de consum. După ce a studiat la Chicago timp de un an, Koons s-a întors la Maryland Institute College of Art, unde a absolvit cu o licență în arte plastice în 1976. A primit o diplomă onorifică de la Institutul de Artă din Chicago aproximativ 30 de ani mai târziu.

În 1977, după absolvirea facultății, Koons s-a mutat în Manhattan și a început să vândă abonamente la Muzeul de Artă Modernă (o slujbă la care a spus că a excelat enorm). În New York, a explorat scenele muzicale New Wave și Punk la cluburile acum legendare CBGB și Mudd Club și s-a întâlnit cu David Salle și Julian Schnabel , artiști puțin mai în vârstă, cu o reputație stabilită în New York. De asemenea, s-a implicat în scena artistică din East Village , o comunitate alternativă de artiști care au respins lumea artistică mainstream și au îmbrățișat estetica contraculturală, inclusiv graffiti. Aceasta a creat un creuzet vibrant de idei noi care au inspirat muzica, poezia, scrisul și artele vizuale și au oferit o platformă ce a lansat unele dintre marile nume ale artei de la sfârșitul secolului al XX-lea, inclusiv Peter Halley , Joan Wallace și Ashley Bickerton. Arta din East Village a dat naștere, de asemenea, unor noi mișcări, inclusiv neo-expresionismul , neo-geo și neo-pop , toate având un impact asupra operei lui Koons. Stimulat de cultura creației și a experimentării din jurul său, în această perioadă Koons a început să producă sculpturile sale gonflabile, un concept care avea să devină o caracteristică a practicii sale.

În 1980, Koons a părăsit MoMA și a început să vândă acțiuni și fonduri mutuale pentru First Investors Corporation și, mai târziu, pentru Smith-Barney, bazându-se pe experiența sa în vânzări. Aceasta a finanțat volumul de lucrări care a devenit The New . În același an, a prezentat în premieră această serie la New Museum, pe strada 14 din Lower Manhattan. Expoziția, care a fost concepută să arate ca un showroom, a prezentat aspiratoare în cutii de plexiglas iluminate. În 1983, a început să creeze seria The Equilibrium , care consta în mingi de baschet plutind în rezervoare cu apă distilată alături de postere cu vedete de baschet. Aceste lucrări pot fi considerate ca făcând parte din East Village Art și în special din mișcarea Neo-Geo, în care piesele erau folosite pentru a critica și parodia cultura de consum și comercializarea lumii artei moderne. Koons a primit aprecierea criticilor pentru aceste lucrări timpurii și la doar trei ani după acest debut public, celebra critică Roberta Smith l-a declarat unul „dintre cei mai ciudați și mai unici artiști contemporani”.

Lucrări mature

Noua Serie i-a atras lui Koons o atenție critică semnificativă la începutul anilor 1980, dar abia în 1986 a obținut o tracțiune mediatică majoră, când - împreună cu alți artiști Peter Halley, Ashley Bickerton și Meyer Vaisman - a făcut mult mediatizatul salt la stimata Galerie Sonnabend, dobândind împreună titlul de „Cei Patru Fierbinți” pe coperta revistei New York Magazine. Doi ani mai târziu, Koons a dezvăluit Banalitatea , care l-a catapultat spre faimă internațională. Această serie de sculpturi în mărime naturală a combinat estetica sentimentală a figurinelor de colecție cu imagini ale celebrităților și ale culturii pop. Koons a produs mai multe copii ale fiecărei statui, permițând debutul simultan al expoziției la Galeria Sonnabend din New York, Galeria Max Hetzler din Köln și Galeria Donald Young din Chicago.

Koons a lansat cea mai controversată serie a sa, „Made in Heaven”, în 1990. Aceasta a constat în fotografii și sculpturi de mari dimensiuni care îl înfățișau nud și în acțiuni sexuale explicite cu Ilona Staller, celebra vedetă porno italiană cunoscută și sub numele de Ciccolina. După ce l-a văzut pe Staller apărut în reviste europene, Koons a zburat la Roma pentru a sugera o colaborare, iar acest lucru a dus la sesiunile fotografice care au stat la baza seriei. În timpul petrecut împreună, cei doi s-au îndrăgostit, deși niciunul nu vorbea limba celuilalt. Încălcând cu nerușinare convențiile bunului gust, seria a stârnit un răspuns covârșitor de condamnatoare din partea criticilor, amenințând să-l detroneze pe Koons de la preeminența în lumea artei. În cele din urmă, însă, „ Made in Heaven” a dovedit zicala că orice publicitate este o publicitate bună. Știrile din Missouri până la Helsinki au relatat suita scandaloasă de fotografii ale lui Koons și logodna sa ulterioară cu Staller. Staller și Koons s-au căsătorit în 1991 și au avut un fiu, Ludwig, în 1992. Căsătoria s-a destrămat la scurt timp după aceea, iar Staller s-a întors în Italia cu Ludwig, determinându-l pe Koons să distrugă multe dintre lucrările din serie și instigând o luptă pentru custodia fiului lor, care a continuat timp de peste un deceniu.

*Lalelele* (1995-2004) face parte din seria *Celebration* a lui Koons, care se concentrează pe obiectele ieftine de larg consum asociate cu petrecerile și sărbătorile.

La începutul anilor 1990, Koons a fost dat în judecată de mai multe ori pentru încălcarea drepturilor de autor pentru utilizarea de materiale sursă comerciale și artistice în lucrările sale. Toate cazurile au fost admise, inclusiv proeminentul caz Koons vs Rogers, în care Art Rogers, un fotograf profesionist, a ajuns la o înțelegere extrajudiciară cu Koons după ce s-a demonstrat că sculptura lui Koons, String of Puppies (1988), din seria Banality, era o copie a fotografiei lui Rogers, Puppies (1985).

Concepută inițial în 1994, seria Celebration este încă în producție și astăzi și constă din 20 de modele din oțel inoxidabil lustruit, fiecare dintre acestea fiind produs în culori diferite. Unele dintre sculpturi fac referire la seria anterioară Inflatables a lui Koons și prezintă o gamă largă de obiecte, inclusiv un câine din baloane, o maimuță, o lebădă și diferite tipuri de flori din baloane, în timp ce altele sunt inimioare, diamante și ouă supradimensionate. Toate obiectele sunt legate de sărbători personale și festive, cum ar fi petreceri de ziua de naștere, Ziua Îndrăgostiților și Paște - în timp ce Balloon Dog (1994-2000) a devenit deosebit de emblematică. Etapele inițiale ale proiectului au fost afectate de dificultăți financiare serioase, ceea ce a dus la anularea unei expoziții la Guggenheim din New York în 1996. În această perioadă dificilă din cariera sa, Koons s-a căsătorit cu artista Justine Wheeler, pe care o angajase inițial în studioul său. Cei doi au șase copii și locuiesc în Upper East Side din Manhattan. Ulterior, Koons a reușit să convingă investitorii și dealerii să finanțeze proiectul înainte de finalizarea acestuia, iar sculpturile au fost expuse pe scară largă de la începutul anilor 2000. „Ou crăpat (albastru)” a câștigat premiul Charles Wollaston pentru cea mai distinsă lucrare la Expoziția de vară din 2008 a Academiei Regale din Londra, iar sculpturile din serie au fost expuse la Muzeul Metropolitan de Artă din New York și prezentate într-o mare expoziție a operei lui Koons la Versailles, Franța, în același an.

Chiar dacă Koons a făcut obiectul a numeroase reclamații pentru încălcarea drepturilor de autor, Koons și-a lansat propria plângere în 2010, emitând o scrisoare de încetare și renunțare către Park Life, o librărie și galerie din San Francisco, care vindea suporturi de cărți pentru câini din baloane. Cazul a fost abandonat la începutul anului 2011, după ce avocatul care reprezenta librăria a depus o plângere pentru despăgubire declarativă, declarând că „După cum poate atesta aproape orice clovn, nimeni nu deține ideea de a face un câine din baloane, iar forma creată prin răsucirea unui balon într-o formă asemănătoare unui câine face parte din domeniul public... Jeff Koons LLC pretinde că reprezintă drepturile de proprietate intelectuală ale lui Jeff Koons, un agent de bursă pensionar, ale cărui sculpturi și alte lucrări sunt bine cunoscute pentru copierea formelor și imaginilor preexistente din cultura populară.”

Între 2002 și 2014, Koons a lucrat la două serii care făceau referire la personaje de desene animate, Popeye și Hulk Elvis , și includeau sculpturi, picturi în ulei și colaje. De asemenea, a lucrat cu Lady Gaga la albumul ei de studio din 2013, Artpop , creând sculptura care apărea pe copertă. Călărind pe valul interesului și al valorilor în ascensiune ale artei contemporane, lucrările sale din ultimii ani au continuat să exploreze teme legate de sexualitate, celebritate, consumerism și copilărie. Lucrările sale sunt create acum într-un studio din Hudson Yards, New York City, unde angajează între 90 și 120 de asistenți. Și-a mutat afacerea în locația actuală de la studioul său de lungă durată din Chelsea în 2019.

În octombrie 2019, Koons a dezvelit o nouă statuie la Paris, numită „Buchet de lalele” . Comandată de fostul ambasador al Statelor Unite în Franța, aceasta a fost concepută ca un memorial pentru cei care și-au pierdut viața în atacurile teroriste din 2015 și 2016 din oraș. Reprezentând o mână care iese din pământ și strânge în mână un buchet de flori sub formă de baloane, amintind de lucrarea sa anterioară „Lalele” , lucrarea a fost zguduită de controverse. Când proiectul a fost schițat pentru prima dată în 2016, membri ai establishmentului cultural francez au publicat o scrisoare deschisă în cotidianul Libération , numind lucrarea „oportunistă și chiar cinică” și solicitând anularea proiectului. Scrisoarea a stârnit un val de indignare publică, iar multe aspecte ale proiectului au fost criticate, de la design până la cost. Ca urmare a acestei presiuni, amplasarea planificată a lucrării a fost mutată într-o locație mai puțin proeminentă, iar lucrarea a fost finanțată de donatori privați, în loc să se folosească banii contribuabililor. Controversa a continuat după dezvelire, filosoful Yves Michaud comparând sculptura cu „unsprezece anusuri colorate montate pe tulpini”. Drept urmare, sculptura a devenit cunoscută sub numele de „culipes”, care se traduce aproximativ prin „lasule”.

Moștenirea lui Jeff Koons

„Puppy” (1992) este o sculptură vie uriașă a unui West Highland Terrier. Creată ca simbol al iubirii și fericirii, la fel ca o mare parte din lucrările lui Koons, funcționează și ca un comentariu la adresa excesului capitalist și consumerist.

Încă din anii 1980, Koons a avut o influență preponderentă asupra artiștilor contemporani care explorează comercialismul, publicitatea, readymade-urile și noile concepte de Pop Art. Cariera sa este fascinantă în comparație cu cea a lui Mike Kelley și Takashi Murakami . Kelley a folosit materiale similare cu cele ale lui Koons, dar experimentele sale sculpturale cu animale de pluș, baloane și alte expresii ale veseliei din copilărie sunt, în cele din urmă, despre descurajare și angoasă. Pe de altă parte, opera lui Murakami se inspiră din cultura pop japoneză contemporană pentru a crea pânze uriașe, viu colorate, care sunt produse în studioul său de o echipă numeroasă de oameni. Acest proces externalizat de creație și combinația sa de artă înaltă și cultură de masă oglindesc opera lui Koons.

Influența lui Koons poate fi observată și asupra unei game largi de artiști, inclusiv Isa Gentzken și Hank Willis, precum și asupra unor vedete artistice emergente precum Darren Bader și Nick Darmstaedter. Cel mai important, Koons a avut un impact semnificativ asupra lui Damien Hirst , un membru cheie al Tinerilor Artiști Britanici . Hirst îl citează pe Koons ca principală influență artistică, menționând că „o reacție grozavă la orice artă este «Uau!», iar opera lui Jeff este plină de asta... Mă face să mă gândesc la America - la toate porcăriile despre America și la toate lucrurile minunate despre America, în același timp”. Rechinul faimos în întreaga lume al lui Hirst, suspendat într-un rezervor cu formaldehidă ( Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva viu , 1991), poate fi văzut ca o referință directă la seria Echilibrul a lui Koons . La sfârșitul anilor 1990 și începutul anilor 2000, artistul american Paul McCarthy a creat o serie de sculpturi bazate pe Michael Jackson and Bubbles (1988) de Koons, inclusiv Michael Jackson and Bubbles (Gold) (1997-99) și Michael Jackson Fucked Up (Big Head) (2002-10).

Recepție critică

Koons are un palmares de critici polarizanți și a primit atât recenzii elogioase, cât și critici aspre. Acest lucru a devenit și mai pronunțat după seria sa incredibil de controversată „Made in Heaven” (1989-1992), cu recenzii mai negative care au apărut de la începutul anilor 1990. Această schimbare în percepția critică poate fi atribuită, în parte, condamnării pe scară largă care a întâmpinat „ Made in Heaven” , dar și trecerii lui Koons de la statutul de artist nou, cu potențial de șoc, la o figură mai consacrată și axată pe comerț.

Opera lui Koons este detestată și venerată din multe dintre aceleași motive. Admiratorii săi l-au lăudat pentru comentariile sale despre consumerism și materialism, precum și pentru contrastele semnificative pe care le creează. Scriind în New York Times , Roberta Smith l-a evidențiat pe Koons în special la o expoziție de grup de la Galeria Sonnabend din 1986, menționând că „Singurul sculptor al expoziției și cel mai dezvoltat artist, Koons și-a făcut un nume prezentând aspiratoare și mingi de baschet în vitrine umplute cu lumină imaculată sau apă, creând lucrări de o frumusețe stranie, fără trup, care ne extind noțiunea despre ceea ce este și înseamnă sculptura.” Mai recent, retrospectiva sa de la Muzeul Whitney din 2014 a atras comentarii mixte, inclusiv o serie de recenzii elogioase, criticul de artă Jerry Saltz scriind că „Expoziția arată grozav... «O retrospectivă» va permite oricui cu o minte deschisă să înțeleagă de ce Koons este un artist atât de complicat, bizar, palpitant, extraterestru și enervant.”

Pe de altă parte, detractorii numesc lucrările sale rudimentare, derivate, scumpe și goale. O recenzie realizată de Christian Viveros-Fauné despre aceeași expoziție de la Muzeul Whitney a menționat că, dacă „obiectele lui Koons ar putea cânta, ar intona melodia tematică Macarena și SpongeBob SquarePants... În limbajul clovnilor, arta lui Koons este doar o pernă de gălăgie”. În mod similar, într-o recenzie de o stea a retrospectivei din 2016 a operei lui Koons realizată de Damien Hirst, criticul de la Guardian , Jonathan Jones, a scris că Koons „este Donald Trump-ul artei. Într-o carieră care este acum destul de lungă, Koons a făcut mai mult decât orice altă ființă umană pentru a distruge gustul, sensibilitatea și ideea că a te îmbogățești ca artist are vreo legătură cu talentul”.

Deși Koons spune că opera sa artistică nu are interpretări corecte și greșite, el consideră că noțiunea de critică de artă profesională este în opoziție cu idealurile sale de acceptare. Numindu-i paznici ai lumii artei, el consideră că natura populară și accesibilă a operei sale a influențat retorica critică împotriva sa. Totuși, acest lucru nu-l face imun la critici, așa cum își amintește Jerry Saltz: „Într-un club din Madrid, în 1986, l-am văzut confruntându-se cu un critic sceptic în timp ce se izbea în față, repetând: «Nu înțelegi, omule. Sunt un geniu nenorocit». Criza de nervi a trecut când un alt critic care urmărea și el acest lucru, strălucitul Gary Indiana, a spus: «Tu ești, Jeff».”